Theater

Colm Tóibín: Marias Testament
Eine Aufführung der Hamburger Kammerspiele im Theater in der Josefstadt

Regisseur Elmar Goerden bearbeitete den Roman des irischen Autors Colm Tóibín für die Bühne, immer im Hinblick auf die Besetzung Marias durch Nicole Heesters. In Hamburg feierte das Publikum die Schauspielerin mit standig ovations.

Nun also ist „Marias Testament“ im Theater in der Josefstadt zu sehen.

Maria steht allein auf der Bühne, unsichtbar bedroht von ihren Aufpassern – wahrscheinlich ein oder zwei Jünger, die die Version der Kreuzigung unbedingt als Welterlösungsgeschichte für die Nachwelt aufschreiben wollen. Eben so, wie wir sie heute lesen. Aber Maria ist damit nicht einverstanden, lässt sich nicht einschüchtern. Sie will die Wahrheit erzählen, wie sie sie erlebt hat. Die ist natürlich den Schreibern nicht genehm (ein Seitenhieb des Autors auf die Fragwürdigkeit jeglicher Berichterstattung). Maria, wie die Zuschauer sie erleben, hat nichts mit der verkitschten Heiligenfigur aus diversen Bildern zu tun. Sie ist eine starke, kluge Frau, die ihren Sohn sehr kritisch sieht: Er sammelt nur Nichtsnutze um sich -„keiner von ihnen ist normal“. Sie erlebt, wie ihr Sohn und seine Freunde“ wie eine Horde von Heuschrecken“ in das Grab von Lazarus eindringen – es gruselt sie. Die Auferweckung von den Toten und andere „Wunder“ hält sie eher für Scharlatanerie, ebenso das „Wunder von Kanaa“. Dass sie ihren Sohn mit ihrem Ehemann gezeugt hat, davon ist sie überzeugt. Von einem Engel und göttlicher Einmischung will sie gar nichts wissen. Als Realistin ahnt sie die Gefahr, in der ihr Sohn durch seine „Erlösungstendenzen“ schwebt. Die Kreuzigung schildert sie so, wie sie sie erlebt hat: Banalitäten des Alltags ringsum, während ihr Sohn ans Kreuz genagelt wird. Da packt sie die nackte Angst und sie flieht. Bis nach Ephesus, wo sie nun in der bescheidenen Behausung ihre Sicht der Dinge darstellt. Erlösung der Welt durch den Kreuzestod? „War es das wert?“ fragt sie zum Schluss und zieht damit die ganze Erlösungsgeschichte in Zweifel.

Diese Rolle verlangt viel, alles von einer Schauspielerin ab. Nicole Heesters ist eine sehr entschlossene, erdverhaftete Mutter, die den  Erlösungsphantasien der Jünger und den prahlerischen Auftritten  ihres Sohnes nichts abgewinnen kann. Sie ist in erster Linie Mutter. Das gelingt Nicole Hessters ganz wunderbar, ohne Wehmut und falsche Larmoyanz, Als sie die Kreuzigung bis ins Detail – die Nagelung und die Schmerzensschreie – schildert, da genau  fing ich an, mich zu fragen: Wir, das Publikum, sitzen da im Zuschauerraum und hören Nicole Heesters zu, wie sie diese Details und ihr Entsetzen erzählt. Für mich waren die Grenzen des Theaters in diesen Momenten überschritten. Denn es war der Schauspielerin anzumerken, wie sehr ihr diese Textstellen zu schaffen machten. Die Tränen waren wohl keine Theatertränen.

Dennoch: Eine großartiger Text für eine großartige Schauspielerin!

Infos und Karten: www.josefstadt.org

Büchertipps

Barbara Rieger, Bis ans Ende, Marie. Kremayr&Scheriau

Barbara Rieger wird zur so genannten jungen Literatur gezählt. Und in mir entsteht der Verdacht – nach einigen Romanen dieses Genres und vielen Stunden, die ich mit Lesen dieser verbrachte, dass junge Literatur zumeist sich  aus folgenden Verben zusammensetzt: ficken, kotzen, saufen, kiffen.

Nun aber etwas ernster: Die Icherzählerin -jeder 2. Satz beginnt mit „Ich“ – ist nach ihrer Scheidung ziemlich haltlos. Sie studiert, aber nur pro forma. Verliebt sich in einen Studenten, der sie aber nicht beachtet . So lässt sie sich in die Welt von Marie fallen, die nur eines will: Sex, egal mit wem, möglichst oft. Die verklemmte Icherzählerin bewundert Marie, möchte mit ihr gleichziehen. Säuft – das tut ihr nicht gut – sie kotzt, kifft – das tut ihr nicht gut – sie kotzt und wird krank, nur eines kann sie noch nicht: ficken. Doch am Ende kommt es doch zu einem „Dreier“: Sie, Marie und deren Freund Tom. Ende gut, alles gut, als Tom das Kondom aus ihr herauszieht, kann sie endlich lachen und findet alles o.k. Ob es ein befreites oder verzweifeltes Lachen ist, bleibt unklar.

Nur um dem Vorwurf entgegenzuwirken, dass ich prüde wäre. Nein, als geübte Leserin habe ich schon mehr verdaut als dieses Anfangswerk. Aber es ist eben ein Anfangswerk – Sprache simpel, Inhalt simpel, auch wenn sich die Autorin bemüht, die Story mit wilden Träumen aufzumotzen.

Theater

„Maslans Frau“ + „Tiefer als der Tag“ im „Thalhof wortwiege“, Reichenau an der Rax.

loniGroßartig die Novelle „Maslans Frau“ von Marie von Ebner-Eschenbach und großartig Petra Gstrein in der Rolle der Evi, Maslans Frau!Diese hochdramatische Novelle erzählt sehr leise von Liebe, Leidenschaft, Raserei, Verzeihen. Es war ein Leichtes, das Werk zu dramatisieren, denn Marie von Ebner-Eschenbach schrieb es  in lebendigen, intensiven Dialogen. Anna Maria Krassnigg/Anna Poloni folgt in der Textbearbeitung fast wortwörtlich der Vorlage – und es rollt sich ein grandioses, fast antikes Geschehen vor den Augen der Zuschauer auf! Im Mittelpunkt steht Evi, die ihren Mann über alles liebt, ihm immer wieder seine Seitensprünge verzeiht, bis sie von einem unehelichen Kind, das er mit seiner Dauergeliebten in Wien zeugte, erfährt. Da verschließt sie ihm bei seiner reuevollen Rückkehr die Tür. Beide schwören nicht eher nachzugeben, als bis sie vom anderen gerufen werden. Der Stolz beider und die Bindung an den Schwur verhindern eine Versöhnung. Man muss Petra Gstrein in dieser Rolle erleben! Wie sie mit wenigen Gesten, stiller, intensiver Mimik das Dulden, das Lieben, das Verzeihen, das Sehnen nach dem geliebten Mann spielt. Als sie von seinem Tod erfährt und sie ihn zu sich nach Hause bringen lässt, ihn mit zärtlichen Worten der Liebe umfängt – das ist großes Theater, fern von lautem Getöse, nie auch nur ein Hauch von Peinlichkeit. Danach war es im Publikum still – keiner wollte klatschen. Es passte einfach nicht.

Mit Petra Gstrein präsentiert sich wie immer das gut eingespielte Team des Thalhofs: Daniel Kamen als  Pfarrer, der lernt, was Liebe und Leidenschaft in der Ehe anrichten können, Martin Schwanda als verständnisvoller Doktor, der das Geschehen von Außen kommentiert, und Jens Ole Schmieder als Maslan -großartig in der Wandlung vom Geck zum todkranken Liebenden. Dazu schuf Lydia Hofmann eine schlichte Bühne und Antoaneta Stereva eindrucksvolle Kostüme.

 

Etwas ratlos erlebte man den zweiten Teil:  – Die Novelle Ebner – Eschenbachs wurde von Krassnig/Poloni  unter dem Titel „Tiefer als der Tag“in die Gegenwart übertragen. Der Titel (Teil eines Nietzsche-Zitates) bleibt geheimnisvoll und erklärt sich auch nicht durch das Stück. Die Autorin spielt mit der Rollenumkehr: Die Frau ist nicht mehr die still Leidende, Wartende, sondern weiß, wie sie „die Glut ihrer Ehe“ nicht ausgehen lässt: indem sie einfach einen Liebhaber nach dem anderen konsumiert. Doch der Text bleibt spröde, kopflastig. Eher wirkt alles wie ein Abtausch von Thesen. Petra Gstrein in der Rolle der Psychiaterin Dr. Alba bemüht sich, der Figur Leben einzuhauchen. Daniel Kamen gibt einen coolen Anwalt, der gar nicht so cool ist, wie es scheint.

Infos, Termine und Kartenbestellungen:

www.thalhof-wortwiege.at

Telefon: 0676/5625502

Büchertipps

Olivia Elkaim, Modigliani, mon amour. Verlag Ebersbach & Simon.

Elkaim beschreibt die furiose Liebe zwischen dem Maler Modigliani und der um 14 Jahre jüngeren „Hobbymalerin“ Jeanne Hébuterne.  Sie stammt aus einem bigotten, tiefbürgerlichen Haus, verlässt ihre Eltern und zieht ins Atelier Modiglianis. Erlebt die Pariser Kunstszene gegen Ende des 1. Weltkrieges. Wird schwanger, erleidet Hunger, Verlustängste, Modigliani lässt sie immer wieder im Stich. Als er todkrank wird, pflegt sie ihn bis zu seinem Tod. Dann stürzt sie sich aus dem 5. Stock der elterlichen Wohnung. Man fasst es nicht, was diese junge Frau, fast noch ein Mädchen, alles auf sich genommen hat, sich selbst und ihr Maltalent total verleugnend, Spott, Armut und Schmerzen ertrug, und dennoch an dieser schier tödlichen Liebe festhielt.

Die Autorin findet eine rasante, furiose und dennoch kühl-distanzierte Sprache, ohne je ins Klischee abzugleiten. Ein mitreißendes Buch. Die Übersetzung von Judith Petrus ist kongenial.

Theater

Felix Mitterer: In der Löwengrube. Theater in der Josefstadt.

Wenn Mitterer draufsteht, dann sind Spannung, Aktualität und Dramatik garantiert drinnen!. Geschickt verflicht Mitterer in dem Stück drei historische Handlungsstränge aus der Zeit des Nationalsozialismus.: 1938 wurden zahlreiche Schauspieler jüdischer Abstammung in den Theatern in Deutschland und Österreich ( unter anderem auch im Theater in der Josefstadt) entlassen. Als Hauptgrundlage diente Mitterer jedoch die Geschichte des Schauspielers Leo Reuss, der von deutschen Bühnen als Jude verjagt nach Wien kam, hier ebenfalls keine Arbeit fand, sich nach Salzburg zurückzog, wo er sich einen Bart wachsen ließ, den Dialekt lernte und mit einem Empfehlungsschreiben von Max Reinhardt ausgerüstet auf den Wiener Bühnen als Kaspar Altenberger  Riesenerfolge feierte. Mitterer verlegt das Geschehen nach Berlin, macht aus dem Salzburger Bauern einen Tiroler aus dem Ötztal, der große Erfolge feiert und sogar Göring beeindruckt. Ähnlich wie einst Gründgens hat er plötzlich die Macht, Schauspieler zu fördern oder zu entlassen. Doch das war nicht der Effekt, den er wollte. Mit Entsetzen muss er erkennen: Wer sich mit der Macht einlässt, wird schuldig.

Für Florian Teichtmeister ist die Rolle des Schauspielers Kirsch eine große Herausforderung, muss er doch blitzschnell von einer Sprachebene in die andere wechseln: Gerade noch der Mensch Kirsch, dann gleich der Tiroler Bauer, dann der Bauer, der Tell mit leichtem Tiroler Einschlag spielt. Wie das Teichtmeister hinbekommt, ist einfach verblüffend. Dazu ein Ensemble, das in der Regie von Stephanie Mohr umsichtig und geradlinig spielen darf, ohne verwirrende Mätzchen. André Pohl als von Kirsch entlassener Schauspieler hat berührende Auftritte, Alexander Strobele gibt den brummigen und ehrlichen Kulissenschieber und Requisiteur ganz hervorragend, Alma Hasun als jüdische Jungschauspielerin und Pauline Kopf als karrieresüchtige Ehefrau von Kirsch sind klassische Frauenfiguren aus dieser Zeit. Peter Scholz als verzweifelter Theaterdirektor, der nur eines will: sein geliebtes Theater trotz Nazidrohungen über die Runden zu bringen, sorgt für manche heitere, aber auch nachdenkliche Momente.

Mein Tipp: Unbedingt vorher das Programm studieren – dort ist die wahre Geschichte des jüdischen Schauspielers Leo Reuss dokumentiert. Mit diesem Hintergrundwissen hält man das Drama nicht für einen vom Autor gut erfundenen Schwank, sondern man erlebt intensiver mit, wie groß die Gefahren des Mitmachens, des Vernaderns um der eigenen Karriere willen damals waren und sicher heute auch noch sind.

www.josefstadt.org

Büchertipps

Andrea DeCarlo: Das Meer der Wahrheit. Aus dem Italienischen von Maja Pflug. Diogenes Verlag.

Andrea DeCarlo ist für ganz Italien, was Donna Leon für Venedig ist: Er wählt brisante, aktuelle Themen, packt sie in ein spannendes Sujet mit dazu passendem Umfeld. Diesmal geht es um das heikle Thema der Empfängnisverhütung, die ja immer noch vom Vatikan aus verboten ist. Doch es gibt – so im Roman – eine brisante Aufforderung eines gewissen Kardinals Ndionge, der vor seinem Tod noch ein eindringliches Schreiben an den Vatikan richtet. Doch das Dokument ist verschwunden. Wurde von Mitgliedern der Mitte-Links Partei „Mirto Democratico“ im Interesse und Auftrag des Vatikans vernichtet.

Geschickt baut Andrea DeCarlo in der Geschichte zwei Lebensformen, typisch nicht nur für Italien, auf: Da ist Lorenzo, der erfolgreiche Politiker, der nur für seine Karriere lebt, kämpft und sogar morden lässt, und auf der anderen Seite sein Bruder Fabio, der typische Aussteiger. Er hat sich in ein einsames Dorf im Apennin zurückgezogen aus Sehnsucht nach „einem nicht besetzen Raum“.  De Carlo stellt in dem Roman die Frage, wie Lebenstentscheidungen entstehen: Ist es sinnvoll, alles abzubrechen und unter primitiven Bedingungen zu leben? Ist es sinnvoll, in der hektischen Stadt durch Beruf und Ehrgeiz gestresst zu leben?

FAzit des Romans: Die italienische Politik – und nicht nur die italienische – liegt im Argen. Dass die Jagd nach der letzten noch vorhandenen Kopie des Dokuments ein eher hollywoodähnliches Ende nimmt, mag man dem Autor gern verzeihen. Denn der Roman ist faszinierend und bis zum Schluss spannend.

Büchertipps

Hans Pleschinski, Wiesenstein. C.H.Beck Verlag

Auf 544 Seiten lebt der Leser das langsame Sterben Gerhart Hauptmanns mit. Der Verlag nennt das Buch einen Roman. Passender wäre „Romanbiografie“. Denn Pleschinski hat genauestens recherchiert und nur wenig der Phantasie überlassen. Diese Genauigkeit ist das Plus und das Minus des Werkes. Denn offenbar wollte der Autor auf kein einziges Detail seiner  Forschungen verzichten. Was teilweise zu einer abundanten Information führt, vor der so mancher Leser kapitulieren könnte. Wer sind die intendierten  Leser dieses „Romans“? – Einerseits Germanisten, die sich für das letzte Lebensjahr des Dichters interessieren. Andrerseits Historiker, die Genaueres über die letzten Kriegsmonate nach der Zerstörung Dresdens und das Schicksal Schlesiens wissen wollen.

Der schwer kranke Gerhart Hauptmann kann dem brennenden Dresden entkommen. Er will in seine geliebte Villa Wiesenstein im Riesengebirge, in der Hoffnung, dort in Frieden sterben zu können. Begleitet wird er von seiner (2.) Ehefrau Margarete, einem Heilmasseur, einer Sekretärin und einer Zofe. Trotz der immer schwieriger werdenden politischen Lage – in Schlesien weiß niemand, wie es nach dem Zusammenbruch des „tausendjährigen Reiches“ weitergehen wird, wem Schlesien gehören wird – versucht das Ehepaar so etwas wie Normalität zu leben. Dazu gehören karge, aber regelmäßige Mahlzeiten, zu denen der Butler mittels Gongschlag ruft, und Diskussionen über das Werk Hauptmanns. Dabei sucht man eifrig nach Stellen im Werk des Dichters, die seine kritische Haltung gegenüber dem Naziregime bestätigen sollen. Man weiß ja nie, welche Machthaber in Zukunft das Schicksal Hauptmanns bestimmen werden. Dass er Kontakte zu politischen Ungeheuern wie Hans Frank hatte, macht Sorgen. Als die Rote Armee näher rückt, drehen sich die Gespräche nur um ein Thema: Was kann Hauptmann vorweisen, um als politisch unbescholten zu gelten? Und wird allein sein Name ihn und sein Gefolge vor der Wut der Plünderer schützen?

Als das Inferno fast schon die Villa Wiesenstein erreicht, da scheint der Autor die Kontrolle über sein Werk zu verlieren. Fast wirkt es, als fände er Gefallen an der Schilderung der maßlosen Gräuel. Mit Akribie schildert er die Not der Flüchtenden, die Toten am Wegrand, zählt die Selbstmorde auf. Als die Russen einmarschieren, wird der Horror neuerlich überdeutlich ausgeführt. Mit dieser Überfütterung an grauenvollen Einzelheiten geht die Gefahr einer gewissen Banalisierung einher. Gekonnte Reduktion wäre mehr!

Gerhart Hauptmann erfährt die Gnade eines raschen Todes. Er darf in seiner Villa Wiesenstein sterben. Danach erfolgt die Evakuierung der gesamten Habe und des Personals.

Fritz von Friedl: Roda Roda. Lesung mit Musik im Literatursalon Wartholz

Helmut Korherr, der sich viel mit der Epoche von 1900 bis nach dem Zweiten Weltkrieg beschäftigt, verfasste auch einen Essay über Roda Roda, den Fritz von Friedl mit viel Einsatz las. Begleitet wurde er von der Pianistin Petra Greiner Pawlik, die passend zur Zeit und den Orten, wo sich der Nomade Roda Roda aufhielt, flotte Musik dazwischen spielte. Schloss Wartholz in Reichenau organisiert an Wochenenden Lesungen, Musik- und Kinoabende. Vor allem die Wiener kommen gern, besonders an so einem schönen Frühlingstag, ins „Wartholz“, genießen zum Beispiel den Ostermarkt in der Gärtnerei, den Kaffee im Restaurant und eben auch  Lesungen, wie die von Fritz von Friedl.

Roda Roda wurde als Alexander Rosenfeld 1872 in Mähren geboren. Aus seinen Erfahrungen während seiner  Militärzeit als Offizier veröffentlichte er humorvoll-ironische Geschichten, die weit über Wien hinaus bekannt wurden. Bis heute erinnert man sich an ihn als Autor des Theaterstückes „Der Feldherrnhügel“. Roda Roda war ein unruhiger Geist, reiste mit der gesamten Familie (später mit Tochter Dana  und Schwiegersohn Ulrich Becher) zunächst freiwillig, unter Hitler dann zur Flucht und Emigration gezwungen, quer durch Europa. 1940 gelang ihm und seiner Frau – Tochter und Schwiegersohn kamen später nach- die Flucht in die USA, wo er als Schriftsteller erfolglos blieb. Er starb 1945. Sein Leben spiegelt die Härten und Probleme dieser Zeit wider, den Aufstieg des Nationalsozialismus und die Verfolgung der Juden und Minderheiten.. Man vermisste allerdings im Text Korherrs genauere Informationen über die persönlichen Gedanken Roda Rodas zur politischen Lage. Der Text glitt leider manchmal in eine Aufzählung der einzelnen Reiseziele ab, was ein wenig  ermüdete.

Das Programm im Literatursalon Wartholz ist unter www.schlosswartholz.at zu finden.

Events

Joseph Lorenz liest: F. Werfel, Eine blassblaue Frauenschrift. Theater Akzent

Wenn Joseph Lorenz Schnitzler, Roth oder Werfel liest, dann füllt sich der Saal bis in die letzten Reihen.   Nach mehreren Abenden im „Dachstüberl“ des Theaters, wo es geschätzte 50 bis 80 Sitzplätze gibt und viele Fans keine Karten mehr bekamen, – nun also endlich die Übersiedlung in den Hauptsaal!

Mit seiner starken Bühnenpräsenz erreichte Joseph Lorenz auch die Besucher in den letzten Reihen. Es muss wieder einmal gesagt werden: Selten zieht ein Schauspieler bei Lesungen das Publikum so tief in die Erzählung hinein. Man meint, in einem Theaterstück zu sitzen, so plastisch erscheinen die einzelnen Figuren!

Die Erzählung „Eine blassblaue Frauenschrift“ schrieb Franz Werfel 1940 in Sanary sur Mer, wo er mit seiner Frau auf eine Ausreise in die Staaten wartete. Es ist eine Rückschau auf das Jahr 1936, als Wien schon ganz schön braun eingefärbt war und man  Juden verächtlich als „Israeliten“ bezeichnete. Werfels Erzählung ist nicht hasserfüllt und ergeht sich auch nicht in einer simplen Schwarzweißmalerei, sondern ist eher eine fein gesponnene, subtile Entlarvung eines „Mitläufercharakters“: Leonidas  stammt aus ärmlichen Verhältnissen und verdankt seinen Aufstieg in die Wiener Gesellschaft dem Selbstmord seines jüdischen Nachbarn, der ihm einen Frack hinterließ. Mit diesem Kleidungsstück erschwindelt er sich den Eintritt in die „gehobene Wiener Gesellschaft“. Nun ist er mit 50 Jahren am Höhepunkt seiner Karriere: Auf den angesehenen Ministerialbeamten im Unterrichtsministerium hören Minister. Er kann mit seinem Leben zufrieden sein. Was will ein Mann mehr: eine reiche, schöne, um Jahre jüngere Frau, dezente Seitensprünge, die nie seine Ehe gefährdeten. Alle längst vergessen. Bis auf Vera, die schöne Jüdin. Ihr Brief rüttelt ihn auf, gefährdet sein Gleichgewicht. Doch am Ende ist alles gut: Er braucht sich um nichts und niemanden zu sorgen: Vera verschwindet nach Montevideo. …Alles wie vorher, kein Grund für Geständnisse, für Gewissensbisse.

Joseph Lorenz taucht in den Text bis tief  auf seinen Grund, lässt Worte bedeutungsschwer aufglänzen. Etwa, wenn er über den Frack spricht, den der verzweifelte jüdische Student Leonidas vermacht. Da hallt das Wort in den Köpfen der Zuschauer wider und bleibt dort drinnen als Symbol der Heuchelei. Oder wenn er die „Israeliten“ mit all der Verachtung, die Leonidas für die Juden aufbringt,belegt. Mehr braucht es nicht, und das Bild des braunen Wien entsteht vor dem geistigen Auge der Zuschauer. Lorenz macht aus Erzählungen Dramen, eingeteilt in Miniakte. Er ziseliert die Figuren subtil heraus, wird zum Heuchler Leonidas, in der nächsten Sekunde wechselt er die Fronten und ist die  Ehefrau Amelie, die in hysterisches Schluchzen ausbricht. Textstellen, über die man vielleicht beim Lesen hinwegsieht, arbeitet er zu Wortkostbarkeiten aus. Mit dieser intensiven Dichte führt er die Zuhörer durch die Erzählung, ohne sie auch nur eine Sekunde in ein gemächliches Zuhören verfallen zu lassen. Bis zum Rande des Möglichen erschöpft, entlässt er sich selbst nur langsam aus der Erzählung.

Ein begeistertes Publikum spendete viel Applaus und Bravos!

Theater Akzent – Programm und Karten: www.akzent.at

 

Musik

Ballett „Raymonda“, Wiener Staatsoper. Aufführung: 9. März 2018

 

Dieses glanzvolle Zeugnis des klassischen Balletts mit der ebenso glanzvollen Musik von Alexander Glasunow wurde 1898 in der Choreographie von Marius Petipa im Mariinski-Theater in St. Petersburg mit großem Erfolg uraufgeführt. 1964 adaptierte Rudolf Nurejew es für das 20. Jahrhundert und brachte es 1965 an die Wiener Staatsoper. In dieser Fassung wurde es 1997 wieder aufgenommen und erlebte am 9. März die 48.Aufführung.

Unter dem schwungvollen Dirigat von Kevin Rhodes entfaltete die Musik ihren Glanz. Leichtfüßig, romantisch und dann wieder dramatisch erinnert sie oftmals an eine Operette. Dazu passten auch das  Bühnenbild und die Kostüme von Nicholas Georgiadis: Tücher und Fahnen in Rot bis Godlgelb wehten durch den Bühnenraum und imaginierten ein Schloss. Im Hintergrund blitzten manchmal Feuer und Fahnen der Belagerer auf. Es ist Krieg: Die Sarazenen unter der Führung des Fürsten Abderachman belagern das Schloss, dessen Besitzer auf einem der Kreuzzüge ist. Die Bewohner sind also schutzlos den Sarazenen ausgeliefert. Dennoch tanzt und singt man und bereitet mit großem Aufwand die Hochzeit Raymondas mit dem Ritter Jean de Brienne vor. Wie es im Märchen so geht, verliebt sich der Sarazenenfürst in die schöne Raymonda, wirbt um sie, will sie entführen. Da erscheint als strahlender Held Raymondas Verlobter, rettet sie und tötet im Zweikampf den bösen Sarazenenfürsten. Dann wird Hochzeit gefeiert. Ein Märchen aus dem Mittelalter, das dem Publikum äußerst kulinarisch erzählt wird.

Liudmila Konovalova ist eine bezaubernde Raymonda, Leonardo Basilio ein hübsch anzusehender rettender Ritter. Publikumsliebling Mihail Sosnovschi tanzte den Sarazenenfürsten mit Bravour und dem Stolz, den er der artigen Schlossgesellschaft und ihrem gezierten Benehmen entgegensetzte. Die Sarazenen fungieren in dem Ballett als eine Art „Barbaren“, auf die die adelige Schlossgesellschaft mit Verachtung schaut. Den edlen Bösewicht zu tanzen verlangt vor allem feine Charakterisierung, was in dem Kanon der klassischen Ballettfiguren nicht immer leicht ist. Doch Sosnovschi gelingt es mit kleinen Gesten ebenso wie mit wildem, aufrührerischem Tanz, Verachtung, Stolz, Erotik und Begehren zu  vermitteln. Deshalb war es auch nicht verwunderlich, dass es beim Schlussapplaus Blumensträuße auf ihn herabregnete. Das ganze Ballettensemble konnte in den Tanzszenen sein Können zeigen und wurde mit viel Applaus belohnt.

Doch zurück an den Anfang:Nach einem voluminösen Vorspiel wird die Szene von der tanzfreudigen Jugend des Schlsosses beherrscht. Alle sind elegant gekleidet und bewegen sich ebenso elegant. Unter ihnen wirkt die zarte Raymonda wie eine weiße Unschuldsflocke, Sie wird mit dem Prinzen in einem „Blind Date“ verlobt, kennt nur sein Bild auf einem Gemälde, das sie jedoch voll entzückt. Dass vor den Toren des Schlosses die Sarazenen lagern und der Untergang des Schlosses droht, scheint niemand wirklich zu stören. Die Parallele zur heutigen Welt mag so manchen im Publikum nachdenklich stimmen. Wunderbar dann der Traumakt. Raymonda schläft bei Lautenspiel ein und tanzt, bedeckt und geschützt unter ihrem Brautschleier, ihre erotischen Sehnsüchte aus.. Zur zarten Harfenmusik tritt der Prinz aus dem Gemälde und die beiden träumen in einem Pas de deux von ihrer Zukunft. Weil eben alles nur ein Traum ist, verwandelt sich die Gestalt des Prinzen in den werbenden Sarazenenfürsten.  – Freud hätte an dieser Szene seine Freude gehabt! Diese Traumsequenzen gehören zu den schönsten des Abends und des klasssischen Balletts überhaupt.

Als der Sarazenenfürst zum Fest zu Ehren Raymondas lädt, entwickelt sich ein interessantes Gesellschaftsabbild, das sich so auch heute abspielen könnte: Seine Einladung wird von der Schlossgesellschaft und Raymonda zunächst mit Verachtung bestraft, dann doch aber angenommen. Wie um  ihm zu zeigen, was ein kultiviertes Fest ist, tanzt man ihm „gesellschaftlich richtiges Benehmen“ vor. Doch mehr und mehr übernehmen die Sarazenen das Tanzparkett, die Musik wird wirbelnder, ausgelassener. Barbarisch, würde die Schlossgesellschaft dazu sagen und drückt es im Tanz aus. Da holt der Sarazenenfürst Raymonda zum Tanz. Zuerst widerstrebend, dann seiner Werbung nachgebend ist sie fast bereit, mit ihm zu fliehen. Doch da erscheint – der strahlende Retter, der Prinz. Selten noch sah man in einem urklassischem Ballett so feine Ironie gepaart mit  Gesellschaftskritik und bewundert, was Nurejews Neubearbeitung im Rahmen des klassischen Figurenkanons alles ermöglicht. Der unausweichliche Zweikampf zwischen den beiden ungleichen Männertypen geht – leider – tödlich für den Sarazenenfürsten aus. Auch diese Szene wird mit viel Ironie gewürzt – : Die hölzernen Riesenschlachtrösser unterlaufen witzig die „Tragik“ der Situation. Nach dem Tod des Bösewichtes darf die Schlsossgesellschaft ausgiebig feiern.

Jubel und viel Applaus!

Weitere Aufführungen mit unterschiedlicher Besetzung: 10., 11. 12. März 2018

Büchertipps

Margret Greiner: Margaret Stonborough-Wittgenstein. Grande Dame der Wiener Moderne. Kremayr-Scheriau

Die Wittgensteins zählten zu den reichsten Familien Wiens und der Donaumonarchie. Karl Wittgenstein war ein strenger Patriarch, der über seine Ehefrau Leopoldine und seine sieben Kinder ziemlich unbarmherzig herrschte. Dass drei seiner Söhne Selbstmord begingen, ist sicher auch auf die überstrenge Erziehung zurückzuführen. Gretl, wie sie von allen genannt wurde, ließ sich jedoch nicht von ihrem Vater unterjochen, sie wusste sich durchzusetzen und wurde eine starke, selbstbestimmte Frau, die sich neben Kunst auch intensiv mit Naturwissenschaften und Mathematik beschäftigte und sogar ein Semester lang in Zürich studierte. Sie heiratete den Amerikaner Jerome Stonborough und nannte sich fortan Margaret Stonborough-Wittgenstein. Obwohl die Ehe alles andere als gut war, bekam sie zwei Söhne und ließ sich trotz aller Schwierigkeiten von ihrem depressiven Ehemann nie scheiden. Ihren Reichtum verwendete sie nicht nur für sich und ihre Familie, sondern half mit Geld und guten Kontakten in und zwischen den beiden Weltkriegen überall, wo sie Not sah. Ihre letzten Lebensjahre verbrachte sie in der von ihr so geliebten Villa Toscana in Gmunden, wo sie trotz Krankheit bis zum Schluss ein offenes Haus führte.

Margret Greiners Stärke ist die Romanbiografie. In dieser  literarischen Form ist sie zu Hause.  Sie erlaubt es ihr, gleichsam in auktorialer Erzählweise die Hauptfigur zu begleiten, ihre Gedanken zu formulieren und Entscheidungen und Taten mit dichterischer Freiheit zu interpretieren. Diese Erzählweise ist nur durch ein intensives Studium der Briefe, Dokumente aus der Zeit und Interviews möglich. Dadurch werden simple Aufzählungen von Namen und Fakten, die so oft Biografien langweilg werden lassen, ausgespart. Gleich zu Beginn schildert Margret Greiner eine der vielen Einladungen im Hause Wittgensteins. Das gibt ihr Gelegenheit, den Prunk der Räume zu entfalten. Die Gäste, wie Brahms, Alt, Klimt und Josef Hoffmann werden nicht im name-dropping aufgezählt, sondern in lebhaften Gesprächen eingeführt. So entsteht ein buntes Tableau der so genannten „guten Gesellschaft“ Wiens. Man hört Schuberts „Winterreise“ – eine Vorausahnung des Todes streift durch den Raum. Der Tod wird in der Familie ein schrecklicher Gast sein: Die Brüder Hans, Kurt und Rudi werden Selbstmord begehen.

Feiner Humor und leise Ironie sind Greiners bevorzugte Stilmittel der Personencharakterisierung. Gretl komponiert zur „Mordsgaudi“ der Familie ein Couplet, in dem sie sich über die Scheinheiligkeit der Reichen mokiert. Vom Schlussrefrain „Hauptsache, die Fassade bröckelt nicht…“ fühlte sich niemand im Hause Wittgenstein im Geringsten angesprochen“. Mit diesem trockenen Nachsatz wird nicht nur die Familie charakterisiert, sondern mit auch  die Gesellschaft rund um die Jahrhundertwende. Ironie blitzt auch bei der Beschreibung der Hochzeitsnacht und des ehelichen Sexuallebens Margarets durch. Da heißt es: „Alles falsche Überhöhung.“

Immer wieder verblüfft es, mit welcher Feinfühligkeit Margret Greiner  künstlerische Werke  interpretiert: Klimt malt Gretl und „was er entdeckte, war die Eleganz ihrer Erscheinung, ihre unkonventionelle Schönheit , eine Sicherheit im Auftreten, wie sie Bildung und Geld verleihen. Unerschrockenheit, kühlen Verstand.Was er erahnte, war ein Herz, das jederzeit der größten Empathie fähig war.“ Besser könnte man den Charakter Margarets, wie er im Bild Klimts aufscheint, nicht charakterisieren.

Gespür für typisch wienerische Ausdrücke ist notwendig, um den Ton der Gesellschaft zu treffen. Auch darin zeigt sich Margret Greiner firm genug. Da ist die Rede von einem „Gschlader“ für schlechten Kaffee, man sudert, raunzt, zerkugelt sich usw. Es ist erstaunlich, wie gut sich die Autorin in das Wiener Milieu der Jahrhundertwende einfühlt. Ihre Stärke ist und bleibt die Romanbiografie. Das bewies sie ja bereits in dem Buch über Emilie Flöge  „Auf Freiheit zugeschnitten“, das 2015 bei Kremayr & Scheriau erschien. Beide Romanbiografien eröffnen dem Leser ein „Tableau vivant“ der Jahrhundertwende. Ihr punktgenau treffender Stil macht das Buch zum puren Lesegenuss.

Büchertipps

Buchpräsentation: Margret Greiner, Margaret Stonborohgh-Wittgenstein.

Margret Greiner hat schon ihre Fangemeinde. Seit ihrer Romanbiografie über Emilie Flöge, die Gefährtin Gustav Klimts, ist sie als Autorin bekannt, die es versteht, die Protagonistinnen in die Zeit zu stellen und lebendig werden zu lassen. Nun ist also im Verlag Kremayr&Scheriau  ihr neues Buch erschienen:“ Margaret Stonborough-Wittgenstein. Grand Dame der Wiener Moderne.“ Schon vor Wochen waren die Karten für diese Lesung in der Klimtvilla ausverkauft. Denn das Publikum weiß: Wenn Margret Greiner liest, dann wird es spannend und auch immer wieder humorvoll. Sie spannte gekonnt den Lebensbogen der „Grand Dame“ von der Kindheit in dem reichen, aber emotional kalten Elternhaus über die nicht sehr glücklichen Ehejahre und die schwierige Zeit unter dem Nationalsozialismus bis hin zu ihren letzten Jahren in der Villa Toscana in Gmunden. Die zahlreichen Fragen aus dem Publikum beantwortete sie aus ihrem reichen Wissensschatz ausführlich und charmant. Eben ein echter Profi!

Trost für alle, die keine Karten bekamen: Margret Greiner wird am 8. März 2018 in der Buchhandlung „tiempo nuevo“, Taborstraße 17a, 1020 Wien um 19h aus ihrem neuen Buch lesen. Rechtzeitig kommen, es gibt keine Reservierungen.

Büchertipps

Ernst Lothar, Die Rückkehr. Zsolnay Verlag

Ernst Lothar emigrierte 1938 in die USA und kehrte nach Kriegsende nach Wien zurück. In dem Roman verarbeitete er nun eigene Erlebnisse und Eindrücke ,. Seine Figuren legen Zeugnis ab von dem politischen, sozialen und seelischen Chaos, in dem man damals in Wien lebte: Da gab es immer noch die Nazis, die Mitläufer, die Sozialisten und Kommunisten und natürlich die Amerikaner als Besatzungsmacht. In dieses Chaos führt uns der Autor mitten hinein, ohne zu verurteilen. Das Buch ist ein Plädoyer gegen Hass, Wut, Neid und Vernaderei, gegen den nicht auszulöschenden Antisemitismus und gegen Ressentiments, die man in Wien nach 1945  gegen „Rückkehrer“ hatte.

Der Jurist Felix von Geldern und seine Familie sind 1938 in die Staaten emigriert. Nur seine Mutter blieb aus Liebe zu einem Nazibonzen zurück. Felix hat gerade die amerikanische Staatsbürgerschaft bekommen und er macht seiner Freundin Livia ein vages Heiratsversprchen. Er ist also Amerikaner geworden, aber nur auf dem Papier. Im Herzen ist er Österreicher, Wiener geblieben. Als seine Familie ihn beauftragt, nach dem Vermögen und den Immobilien der Familie zu sehen und Rückerstattung zu fordern, ist er sofort bereit, aufzubrechen. Begleitet wird er von der lebensklugen Großmutter Viktoria, die dem Leben gegenüber trotz ihres Alters und Herzleidens sehr positiv eingestellt ist. Sie wird Felix eine tatkräfige und entschlussfreudige Ratgeberin in Wien sein. Denn er selbst verstrickt sich mehr und mehr in alte Liebesgeschichten, Schuldfragen und kommt sogar  in den völlig absurden Verdacht, mit einem ehemaligen Nazi zusammengearbeitet zu haben. Und so erkennt Felix sehr bald: „Nichts passte zu nichts!“ Und er selbst zu niemandem mehr. Aber dennoch  geht er mit offenen Augen und wehem Herzen durch Wien, sieht das Elend der hungernden Kinder, spürt den Hass, der überall lauert und kann sich des Mitleids nicht erwehren mit den Menschen, die zurückgeblieben sind, egal, ob Mitläufer, Täter oder Opfer des Naziregimes. Der Hass, der die Menschen beherrscht, macht einen offenen, unverstellten Zugang unmöglich.

Ernst Lothar erzählt mit Gefühl und Herz. Des öfteren gleitet die Sprache ins Pathetische ab , weil der Autor sich der allzu großen Gefühlsaufwallung nicht erwehren kann. Etwa, wenn er den Spaziergang durch Grinzing oder den Blick auf die Donau und den Kahlenberg schildert. Dieses Abgleiten in starke Gefühle akzeptiert man, weil die Ernsthaftigkeit des Autors dahinter steht.

Der Roman zeigt den Riss, der nach 1945 stärker denn je durch die Bevölkerung Wiens (und Österreichs) geht. Ein Riss, der heute wieder spürbar ist. Deshalb ist „Die Rückkehr“ mehr als nur ein Roman, eher eine Mahnung, achtsam zu sein.. Denn leicht kann es sein, dass man die Kräfte unterschätzt oder gar nicht wahrnimmt, die den Riss verantworten zu haben.

Theater

Alexander Ostrowskij, Schlechte Partie. Burgtheater

Der Regiesseur Alvis Hermanis setzt auf Tragikkomödie, Trash und Slapstick. Auf der Drehbühne entfaltet er ein Kaleidoskop bürgerlicher Szenarien: Sofas, Vitrinen, Fauteuils, jede Menge Familienfotos  und Pistolen als Wandschmuck. Die Bühne als Spiegelbild der Gesellschaft – gut. Auf den Sofas schnarchen betrunkene Kaufleute, Beamten. Und einige im Puplikum schließen sich an und machen ihr Weihnachtsnickerchen. Denn leider ist vor allem der erste Teil ziemlich langweilig. Das liegt vor allem an der mangelnden Wortdeutlichkeit. Von Michael Maertens ist man ja das verschwulte Dahinnuscheln schon gewohnt. Als einfältiger Beamter, der um die schöne Larissa (Marie-Luise Stockinger) saufend und stotternd wirbt , übertreibt er manchmal bis zur Unverständlichkeit. Saufen ist überhaupt  die Hauptaktion in diesen 3 Stunden. Das imaginierte Betrunkensein hat aber fast alle Schauspieler sprachlich beeinträchtigt. Unerträglich übertrieben  muss der arme Fabian Krüger einen torkelnden, speienden, nuschelnden, stotternden Trottel mimen. Eine peinliche Übertreibung!

Die interessanteste Figur in dem ganzen Torkeldrama ist die junge Larissa. Sie ist zum äußeren Zeichen ihrer Naivität in bäuerliche Buntheit gekleidet, meist wirkt sie darin dümmlicher, als die Figur selbst es erlaubt. Die Männer schielen alle nach ihr. Sie  aber  wird von der Mutter (Dörte Lyssewski) an eben den unerträgichen Julij verkuppelt.  Sie jedoch hofft auf die Gunst des reichen Unternehmers Sergej Paratow – gut widerlich von Ofczarek gegeben -. Der gaukelt ihr Liebe vor und als er am Ziel seiner Wünsche ist, seilt er sich ab. Übrig bleibt eine verzweifelte Larissa. Es gibt einige starke Szenen, etwa wenn die gierigen Blicke der Männer die kindlich tanzende Larissa verschlingen. Und die Schlussszene: Larissa hat verstanden – sie ist nicht mehr als ein Objekt, um das gestritten und verhandelt wird. Als Individuum ist sie abgemeldet.

Musik

Ballettabend in der Staatsoper: „Verklungene Feste und Josephslegende“

Da kamen alle Ballettfans und freuten sich über ein Wiedersehen mit einem typischen John Neumeier-Festabend! Und über ein Wiedersehen mit Vladimir Shishov und Mihail Sosnovschi! Beide tanzten schon 2015in den „Verklungenen Festen“ mit unglaublicher Eleganz und Finesse. Die Elegie und Melancholie der Atmosphäre spiegelt sich ganz und gar in der Choreographie – viele sehr langsame, durchaus erotische Figuren. Starker Applaus für die Tänzer, was besonders hoch zu werten ist, da viele im Publikum eigentlich nur auf die „Josephs Legende“ warteten. Doch die „Verklungenen Feste“ sind ideal, um sich von den eigenen Erinnerungen an „verklungene Feste“ einspinnen zu lassen.Die Musik von  Richard Strauss unter dem subtilen Dirigat von Gerrit  Prießnitz tat alles dazu.

Nun denn – zum furiosen 2. Teil des Abends:

Denys Cherevychko tanzte wie schon 2015 den gar nicht so keuschen Joseph – sein eher spärliches Kostüm musste ja Potiphar dazu verleiten, es ihm runterzureißen. Aber erst mal langsam: Joseph wird von Sklavenhändlern an den Hof Potiphars verschleppt. Dort langweilt sich Mrs. Potiphar – herrlich Rebecca Horner – zu Tode und straft ihren erotisch aufgeladenen Ehemann _ Eno Peci – mit Missachtung. Obwohl der eigentlich über weitaus mehr Sexappeal verfügt, ist sie von dem armen – ach so unschuldigen – Joseph total begeistert, umtanzt ihn mit einer Rasanz, scheint ihn dann endlich unter ihren kräftigen Armen zum ersehnten Coitus gebändigt zu haben, als -Pech für beide – der Ehemann dazukommt. Nun wird Joseph ziemlich hergebeutelt, aber bevor er total erschöpft tot umsinkt, holt ihn sein Engel  in himmlische Gefilde. Einst tanzte Kirill Kourlaev bravourös diesen Engel – wo ist dieser Startänzer jetzt? Doch nicht schon in Pension???????????? Jetzt ist es Jakob Feyferlik – sein Engel ist ätherischer, kindlicher -halt eher ein Schutzengerl. Und Potiphar? -Sie tanzt alleine einen wunderbaren Trauertanz. Gerrit Prießnitz führte das Orchester in wahre Furioshymnen und ließ die Musik von Richard Strauss einmal mehr nach allen Regeln aufleuchten.

Ein wahrer Sturm an Applaus brach los. Am Ende gab es standing ovations!

 

Events

Joseph Lorenz las die Novelle „Lenz“ von Georg Büchner.

Anlässlich des 180. Todestages von Georg Büchner las Joseph Lorenz die Novelle „Lenz“ im Alumni Club der Medizinischen Universität Wien. Wer sonst als Lorenz könnte es wagen, diese poetische Analyse eines beginnenden Wahns zu lesen? – Nein nicht lesen, leben, erleben lassen. Sich in die Person des vom Wahn getriebenen jungen Dichters Lenz hineinwerfen, mit ihr verschmelzen. Seinen Kampf mit der Sprache, wenn ihm die Worte fehlen, er den Anfang eines Wortes nicht findet, sucht, aufgibt –  schreit,  mit Grimmassen der Verzweiflung seine Umgebung in Schrecken versetzt – all das nicht nur lesen, sondern leben. Wie kein anderer kann Joseph Lorenz das Publikum vergessen lassen, dass es sich um eine Lesung handelt. Es ist Schauspiel, das in seiner Unmittelbarkeit zum EReignis wird. Präzise zuerst die Beschreibung der Natur, die dem Dichter Lenz mehr Bedrohung als Trost ist. Dann die ersten Worte Lenz` an den Pfarrer – ein Suchen, ein Stottern, lange Pausen, in denen es im Hirn des Dichters arbeitet, er nach Klarheit sucht. Klarheit, die nimmer mehr sein wird. Verzweiflung und viele Versuche, sich zu Tode zu bringen. Sie gelingen nicht. Schließlich der Rücktransport in der Kutsche – zurück in ein Leben, das keines ist. „und so lebte er dahin..“ Mit diesen Worten – ganz ruhig und langsam gesprochen – entlässt Joseph Lorenz ein Publikum, dem er fast in Trance diese traurige Figur des Dichters vor Augen führte.

Events

Joseph Lorenz, Spiel im Morgengrauen. Theater Akzent

Wenn Joseph Lorenz liest, dann ist die Studiobühne im Theater Akzent bis zum letzten Platz gefüllt. Diesmal also: „Spiel im Morgengrauen“ von Arthur Schnitzler. Ich kenne zur Zeit keinen Sprecher/Schauspieler, der Schnitzler besser lesen könnte als Joseph Lorenz. Mit hoher Sensibilität für Tempo, Zurücknahme, sich aufbauender Dramatik erzeugt Lorenz atemlose Spannung. Alles beginnt sehr unspektakulär: Leutnant Wilhelm Kasba erwacht an einem Sonntagmorgen – wie immer bringt ihm seine Bursche den Kaffee und meldet Besuch an (köstlich, wie Lorenz vom Schnitzlerdeutsch in den böhmische Dialekt umsteigt und gleich steht vor uns die liebenswerte, treuherzige Figur des Burschen). Der ehemalige Dienstkamerad Otto von Bogner bittet ihn um 900 Gulden, die er aus der Firmenkasse „entliehen“ hat und bis zum nächsten Morgen zurücklegen muss. Klar, dass Wilhelm diese Summe nicht hat, er verspricht aber, sein Glück im Baden beim Kartenspiel zu versuchen. Und ab da wird das Erzähltempo rasant, Lorenz lässt die >Zuschauer  bis unter die Haut spüren, was Spielsucht bedeutet: Ausgeliefertsein einer Lust, die ins Verderben führt, führen muss. Als Verführer und Gegenspieler tritt Konsul Schnabel auf, der den Leutnant genussvoll ins Verderben rennen – spielen – lässt. Atemlos rast das Spielgeschehen dahin bis zu dem Augenblick, als Wilhelm um 3h früh mit einer Spielschuld von 11.000 Gulden das Café verlässt. Diabolisch freundlich verlangt der Konsul die Rückerstattung bis zum nächsten Tag. Absturz in die Hoffnungslosigkeit – auch der vermeintlich begüterte Onkel kann nicht helfen. Der Selbstmord scheint der einzige Ausweg. Doch einen Versuch hat Wilhelm noch: Er erniedrigt sich und bittet Leopoldine, die junge Frau des Onkels, um das Geld. Sie könnte es ihm geben – aber zuvor will sie Rache -Rache für eine lang zurückliegendeLiebesnacht, in der Wilhelm sie wie eine Dirne bezahlte und sich davonmachte. Sie jedoch hat den jungen Leutnant damals geliebt, wollte Zärtlichkeit und Vertrauen . Diese Szene las Lorenz mit  großem Feingefühl für weibliche Verletzlichkeit – man konnte die Rache, die Leopoldine nahm, verstehen und mitempfinden: Nach einer Liebesnacht „bezahlt“ sie ihn mit 1000 Gulden und geht. Der Abgrund tut sich auf. Stille im Raum. Selbstmord. Ironie und doppelte Rache der Leopoldine: Sie übergab ihrem Ehemann die 11.000 Gulden für Wilhelm. Als dieser sie seinem Neffen bringt, ist alles zu spät. Berührend der Schluss: Der Onkel ahnt, dass seine Frau den Leutnant besuchte. Doch der Bursche zerstreut den Verdacht und bestätigt schlau und treuherzig den Besuch eines Kameraden. Am Ende hat Bogner die 900 Gulden (der „Lohn“ für die Liebesnacht), Leopoldine ihre Rache und Wilhelm hat sein Leben sinnlos „verspielt“. In zwei Stunden ließ Joseph Lorenz das ganz Spektrum der Sinnlosigkeit und Orientierungslosigkeit eines Offiziers, dem die Ehre mehr galt als sein Leben, vor uns abrollen.

Musik

Das Pittsburgh Symphony Orchestra und Matthias Goerne in Grafenegg (31.August 2017)

Wieder einmal hat der Wettergott dreingepfuscht, und das Konzert musste vom Wolkenturm ins Auditorium verlegt werden. Wahrscheinlich hatten die  Musiker des Pittsburgh Orchesters und der Dirigent Manfred Honeck sich auf die Akustik des Wolkenturms eingestellt, wo ja so richtig auf die Pauke gehaut werden darf, ohne dass Wände und Ohren bersten. Das Auditorium hingegen fasst wahrscheinlich ein viel geringeres Klangvolumen. Anders ist nicht zu erklären, dass die „Rusalka Fantasy“ von Anton Dvorak, zusammengestellt und bearbeitet vom Dirigenten Manfred Honeck, so überlaut daherkam. Man hatte den Eindruck, einen Hollywood-Dvorak zu hören. Als hätte der Komponist  für einen Rusalkafilm die Musik geschrieben. So laut, so wuchtig und plakativ wurde gespielt und dirigiert. Erst „Rusalkas Lied an den Mond“, zart und innig von einer Solovioline gespielt, konnte mich versöhnen.

Danach Matthias Goerne, dessen „Winterreise“ mit Markus Hinterhäuser am Klavier legendär geworden ist, trotz der (für mich) so störenden Videos von William Kentridge. Ich möchte dazu ein Zitat aus dem Grafenegger Programmheft anführen: „Mahler bezeichnete es als Barbarei, wenn Musiker vollendet schöne Gedichte in Musik setzen. Das sei für ihn, als ob eine meisterhaft gemeißelte Marmorstatue nachträglich von einem Maler mit Farbe übertüncht würde.“ Im Falle der Winterreise wirkten die Videos wie eine Übertünchung. In Salzburg nochmals ein ähnliches Schicksal: Büchners verstörendes Drama „Wozzeck“ und die wuchtige Musik von Alban Berg waren offenbar den Verantwortlichen nicht wirksam genug – es musste wieder Kentridge her, der die Bühne mit seinen Videos zumüllte.   Aber zurück nach Grafenegg:

Diesmal also Goerne ohne Kentridge. Nur mit dem Pittsburh Orchestra unter Manfred Honeck. Orchester und Dirigent waren nicht wiederzuerkennen. Sie wirkten wie ausgewechselt und erwiesen sich als die idealen Partner für Goernes intensive Interpretation der Mahler Lieder aus „Des Knaben Wunderhorn“. Goerne ist ein Sänger, der den von ihm ausgewählten Liedern auf den tiefsten Grund geht und dabei sich selbst nicht schont, seine Seele und seinen Körper in die Musik einflicht bis zur existentiellen Selbstentblößung. Das kann für die Zuhörer oft hart werden. „Ich zieh‘ in Krieg auf grüner Haid, die grüne Haid die ist so weit. Allwo dort die schönen Trompeten blasen, da ist mein Haus von grünem Rasen“- da wird aus dem zarten Liebeswerber ein Todgeweihter. Das Todesmotiv herrscht vor, schaurig im Lied „Das irdische Leben“: Das Kind verhungert, die Not ist zu groß. An die Grenze irdischer Existenz treibt Goerne sich und uns im LIed „Urlicht“. Die ganze Tiefe seines Baritons legt Goerne in die letzten beiden Lieder „Revelge“ und „Der Tamboursg’sell“. Wenn er die Sterbensworte des Tambourgesellen im Raum verklingen lässt, dann herrscht atemlose Stille im Publikum und auf dem Podium. Goernes Gesangskunst ist existentiell.

Es werden mir hoffentlich alle verzeihen, wenn mir für Beethovens 7. Symphonie, die nach der Pause folgte, die Lobesworte fehlen, ich habe sie alle für Goerne aufgebraucht.

Musik

Der Feuervogel. Ballettabend in der Volksoper

Tänzer der Wiener Staatsoper und Volksoper stellten ihr Regietalent unter Beweis. Für das Publikum war gleich der 1. Teil „Petruschka“ nach der Musik von Stravinsky (Fassung 1947) eine Herausforderung. Eno Peci, allen Ballettfreunden als hervorragender Tänzer bekannt, zeichnete für die Choreographie und Dramaturgie (gemeinsam mit Pavol Juras) verantwortlich. Und er hatte den Mut, ein ganz neues Konzept auf die Bühne zu bringen. Man kann ruhig von einem Regietheaterballett sprechen. „Vor dem Hintergrund unserer gegenwärtigen WElt sehe ich eine Vielzahl von „Petruschkas“ – Menschen, die aus verschiedenen Gründen (sei es die Situation am Arbeitsplatz oder andere) unglücklich sind. “ (So Peci im Programmheft) Von dieser Prämisse ausgehend ist sein Petruschka ein Lehrer, der mit dem Beruf völlig überfordert ist, die Familie vernachlässigt und die Liebe zu seiner Frau verliert. Ein wenig ist man während der Szenen in der Schulklasse an Nestroys „Die schlimmen Buben in der Schule“ erinnert: Es wird gestritten, gerauft, mit Büchern und anderen Gegenständen umhergeworfen. Petruschka ist hilflos. Es nützt nichts, dass er auf die Tafel groß: Miteinander, Respekt und Liebe schreibt. Das Chaos ist unregulierbar. Gewalt bricht aus, als die junge Frau des Lehrers die Klasse betritt. Fast kommt es zur Vergewaltigung. Die Szene löst sich gespenstisch auf, als die Schuldirektorin die Klasse betritt. Tänzerisch großartig: Davide Dato als Lehrer, berührend Nina Tonoli als seine junge Frau und ganz hervorragend Rebecca Horner als Direktorin: halb Schlange, halb weiblicher Dämon – in einem fantastischem Kostüm (Pavol Juras). Nun könnte man einwenden, dass Peci hier alle nur möglichen Klischees bedient, die man so aus der Schuldiskussion kennt. Das ist wahr, aber zugleich bewahrheitet sich ein Satz: Alle Klischess sind in der Realität verankert.

Im Mittelteil des Abends „Movements to Stravinsky“ kann sich das Publikum an einem klassisch choreographierten Ballett erfreuen: András Lukács, Tänzer und Choreograph seit 1999, lieferte ein sehr innige, unaufgeregte Choreographie, in der 6 Paare ihr Können zeigen. Musik aus verschiedenen Werken Stravinskis.

Den Schluss bildete „Der Feuervogel“. Andrey Kaydanovskiy – seit 2015 Halbsolist der Staatsoper und erfahrener Choreograph – unterwarf das alte Märchen einer sehr eigenwilligen Neudeutung: Ivan (Masayu Kimoto) ist ein armer Student, der sich mit Hilfe des Alterego-Feuervogels (Davide Dato) in ein Einkaufszentrum einschleicht, den Besitzer (Mihail Sosnovschi) entmachtet, sich dessen Geliebte (Rebecca Horner) schnappt. Die Stärke dieser Choreographie liegt in den Massenszenen: Herrlich ironisch der Auftritt der Putzbrigade, der Verkäuferinnen und der Kunden. Alles in allem ein regielastiges Ballett mit vielen skurrilen und witzigen Einfällen.

Nicht unerwähnt darf das exzellente Dirigat von David Levi bleiben. Er brachte alle Nuancen der Musik Stravinskis zum Blühen.

www.volkoper.at

Mein Rat an alle zukünftigen Besucher: Unbedingt vorher das Programmheft lesen! Die drei Choreographen erläutern darin sehr klar ihre Ideen.

Weitere Termine: 11., 16., 21., 22., 23., 28. Mai, 2., 7. Juni 2017

 

Musik

La Wally. Volksoper Wien

Ein großartiger, atemberaubender Abend! Alfredo Catalanis Oper, bisher nicht allzu oft gespielt, wurde in der Volksoper vom Bühnenorchester der Wiener Staatsoper unter dem fast rauschhaften Dirigat von Marc Piollet und der subtilen Regie von Aron Stiehl erfolgreich auf die Bühne gebracht. Beeindruckend wurde Stiehl von dem Bühnenbildner Frank Philipp Schlössmann unterstützt, der mit seinen riesigen Schwarzweiß-Blöcken das bedrohliche Gebirge als auch die einengenden Mauern eines Gebirgsdorfes – in dem Fall Sölden – kitschfrei in Szene setzte. „Kitschfrei“ ist das richtige, zusammenfassende Wort für die gesamte Inszenierung, die nie auch nur in die Nähe eines Heimatdramas gerät. Von der Wally, wie wir sie aus verschiedenen Filmen kennen, ist diese Wally -hervorragend gespielt und gesungen von Kari Postma – meilenweit entfernt. Bis auf Vincent Schirrmacher, der mit der Rolle des Machojägers Hagenbach nicht so wirklich stimmlich und darstellerisch zu Rande kommt, sind alle anderen Rollen hervorragend besetzt: Eindrucksvoll, jung und berührend zart Beate Ritter in der Hosenrolle als Walter. Ihr Lied gleich zu Beginn nimmt den Tod Wallys schon vorweg. Kurt Rydl als Gutsherr und Vater Wallys ist ein brummiger, strenger Vater. Die schwierige Rolle des Gutsverwalters Stromminger, der Wally verzweifelt und hoffnungslos liebt, löst Morten Frank Larsen grandios. Interessant die aufgewertete Rolle des Infantristen, gesungen und gespielt von Daniel Ohlenschläger: Er begleitet als spiritus operae, als Tod, als Schicksal, als böser Geist, ähnlich einem Mesphisto, die Figuren und lenkt das Schicksal Wallys bis in den Tod. Regisseur Stiehl vermeidet den im Original verlangten Lawinentod, sondern lässt Wally in einer berührend gesungenen Liebesvision gemeinsam  mit Hagenbach in einen sanften Tod gehen. In einem ausführlichen Interview im Programmheft  erklärt Aron Stiehl die Notwendigkeit dieser Änderung.

Silvia Matras meint: Diese Aufführung gehört zu den besten der Volksoper in dieser Saison. Man sollte sie nicht versäumen!

Die nächsten Aufführungen: 20., 23. April, 4., 15., 17. Mai 2017 www.volksoper.at

 

Thomas Melle, Die Welt im Rücken. rowohlt Verlag. Dazu die Matinnée: Gespräch mit Joachim Meyerhoff und Heide Tennerund

In diesem Text (kein Roman, keine Fiktion) berichtet Thomas Melle frappierend ehrlich über seine bipolare Störung, seine manischen und depressiven Abstürze und Zerstörungen, über seine immer wiederkehrenden stationären Aufenthalte in der Klinik, seine Flucht daraus und von der einerseits den Körper und Geist verändernden Wirkung der Medikamente und andrerseits von der unabdingbaren Abhängigkeit von ihnen. Sie stellen ihn ruhig  oder wenigstens ruhiger, vermindern aber zugleich die Sensibilität, Sprachkraft und Individualität – alles, was er als Schriftsteller unbedingt nötig hat. Deshalb ist es um so mehr zu bewundern, dass er rückblickend auf drei lange Klinikaufenthalte nun 2016 doch so weit hergestellt ist – Heilung gibt es von dieser Krankheit nicht -, dass er doch in intensiven Sprachbildern diese Hölle analysieren kann und so – zumindest für diese Zeit des Schreibens – über sie siegen kann. Ein berührender Text, der in seiner Offenheit verblüfft.

Dazu gab es am 26. März ein Gespräch mit Heide Tenner und Joachim Meyerhoff. Ein congeniales Diskussionspaar: Heide Tenner stellt die nüchternen Fragen zu dem Buch, Meyerhoff antwortet frei, eloquent. Spannende eineinhalb Stunden. Zunächst ging es vor allem darum, was Meyerhoff dazu bewogen hat, das Buch für eine Bühnenadaaption vorzuschlagen. Es war die Sprachgewalt, mit der Melle seine Krankheit schildert, denn, so Meyerhoff, die Medikamente haben keineswegs die Höhen und Tiefen, wie sie für einen Schriftsteller geradezu notwendig sind, gekappt. Mit Einwilligung des Autors machten sich Meyerhoff und Regisseur Jan Bosse an die Dramatisierung des Werkes, wobei von den drei geschilderten Anfällen nur der erste dramatisiert wurde. Meyerhoff erzählte sehr eloquent von seiner Begeisterung für diese Arbeit, besonders die Bilder, die Bosse und er für die Umsetzung auf der Bühne fanden. „Wichtig ist mir, dass dieser Kranke auf der Bühne eine artifizielle Theaterfigur ist, anders als eine Figur aus bekannten Dramen. “ Während der ganzen Diskussion war die starke Identifikation Meyerhoffs mit dieser Figur. Denn psychisch anders gelagerte Charaktere sind ihm von seiner Kindheit an vertraut (sein Vater war Direktor einer psychiatrischen Anstalt) und Meyerhoff hat diese Zeit in seinem Buch „Wann wird es endlich einmal so

 

Büchertipps

Marie Luise Lehner: Fliegenpilze aus Kork. Kremayr&Scheriau

Ein Lesevergnügen der besonderen Art! Die 22 Jahre junge Autorin erzählt – nein, besser: sie protokolliert – in Stakkatosätzen über ihren recht ungewöhnlichen Vater. Sie erzählt in der Ichform, aus der Perspektive eines Kindes, das seinen Vater (fast) bedingungslos liebt. Die Eltern sind getrennt. Das Protokoll beginnt mit der Stunde Null, der Geburt, und setzt sich über die Jahre bis ins 20. Lebensjahr fort. Die Kapitel heißen: Eins werden, Zwei werden…und so fort. Schon diese Übertiteln lassen einen ungewöhnlichen Erzählstil vermuten, dessen Reiz in dem naiven, unbedingten Glauben an alles, was der Vater tut und sagt, liegt. Der Vater hat – wienerisch gesagt – eine ordentliche Makke. Aber dem Kind gefällt es, findet alles normal, ja genießt dieses Außenseitertum des Vaters, ohne es als solches zu erkennen. Er bringt dem Kind auch allerlei Schmähs bei, zum Beispiel, woran es Kontrollore in der Straßenbahn erkennen kann – denn Schwarzfahren ist Ehrensache. Er bringt ihm bei, wie sie Brötchen im Buffet der Oper klauen können. Aber auch Eislaufen oder Bilder malen. Mit dem Älterwerden entsteht eine gewisse Distanz, der Vater wird immer wirrer, seine Emails immer unverständlicher. Da beginnt sich der Charme des Stils und der Figuren ein wenig abzunützen, als wären dem Vater und der Autorin die Ideen ausgegangen. Insgesamt aber ein viel versprechender Debütroman.

Theater

„Die Verdammten“ nach Luchino Visconti. Theater in der Josefstadt

Mit dem Regisseur Elmar Goerden hat die Josefstadt einen der interessantesten Theatermacher im deutschsprachigen Raum ins Haus geholt. Seine Inszenierungen von Ibsens „Borkman“ (2012) und „Kafka-Projekt“(2015) wurden mit Preisen für die beste Regie ausgezeichnet. Mit den „Verdammten“ liefern Goerden und das ganze Ensemble einen der intensivsten Theaterabende der laufenden Saison.

Es geht um die Kruppfamilie. Man kennt die Geschichte, hat vielleicht den Film von Ponti „Die Eingeschlossenen von Altona“ nach Jean-Paul Sartre oder die „Götterdämmerung“ („La caduta degli dei“ 1970) von Visconti in Erinnerung. Viscontis Film war für Elmar Goerden gleichsam „das Schlüsselloch“ (Interview im Standard vom 4.11.2016), das ihm einen Blick auf die Familiengeschichte werfen ließ. Unübersehbar in der Inszenierung auch die Anspielungen auf Figuren aus den „Buddenbrooks“ und auf Mitglieder der Thomas- Mannfamilie – besonders die Figuren der beiden Jungerben Martin und Günther, gespielt von den Alexander Absenger und Meo Wulf. Es geht um mächtige Familien, egal ob sie Krupp, Thyssen, Buddenbrook oder Mann oder wie hier im Drama Essenbeck heißen. Um Machtstrukturen innerhalb des Clans, um Verflechtung von Industrie und Politik – aktueller denn je -, um Widerstand gegen das Patriarchat, letztendlich auch um die „Moral und Verantwortung“, Worte, die von jedem im Munde geführt werden, aber immer nur als Deckmantel für irgendwelche Abgefeimtheiten dienen. Jedoch ist das Stück keine plumpe Abmahnung der Reichen – das wäre dem Regisseur sicherlich zu vordergründig gewesen. Denn wir als Zuseher haben durchaus auch Sympathie für die intrigante Sophie von Essenbeck – großartig gespielt von Andrea Jonasson – , lächeln über ihre zynisch-erotischen Verführungskünste, verachten mit ihr den unterwürfigen Hampelmann und Geliebten Friedrich Bruckmann – André Pohl brilliert in dieser schwierigen Rolle. Fast alle Mitglieder der Familie haben ihre Doppelseite des Charakters, nur der Hauptsurmführer Wolf von Aschenbach ist von Beginn an eingleisig und ohne Wenn und Aber für das Naziregime. Amüsant ist auch, wie Goerden die Machtgier mit ganz einfachen Tricks auf die Bühne bringt: Da geht es um Sessel, die zu besetzen und besitzen wichtig sind, die dem einen unter dem Hinterteil weggeschoben, dem anderen unterschoben werden, um Tische, die Herrschaft und Autorität symbolisieren. Goerden lässt ganze Tisch- und Sesseltänze aufführen und liefert so die einzelnen Familienmitglieder der Lächerlichkeit aus. Grausam aktuell der Schluss: alle bis auf Baron Martin und Wolf von Aschenbach sind tot. Beide stehen in Naziuniformen da, triumphieren und Wolf von Aschenbach hält eine flammende Schlussrede: „Ihr werdet euch noch wundern, was alles möglich ist.“ Lang anhaltender Applaus für das ganze Ensemble.

Sehr zu empfehlen ist das Programmheft, das gute Hintergrundinformationen liefert.

Die nächsten Termine: 10., 11., 12., 18., 19. März 2017. Karten und Infos: www.josefstadt.org

 

 

Büchertipps

Sabine Gruber, Daldossi oder Das Leben des Augenblicks. C.H. Beck

Ein Roadmovie der besonderen Art: Bruno Daldossi ist Kriegsfotograf, von sich und seinem Beruf angeekelt, Trinker und überhaupt kaputt. Marlis, sein Beziehungsanker durch Jahre, hat ihn verlassen. Sie kann und will nicht mehr mit seinen schrecklichen Geschichten leben, nicht in all ihrem Tun und Handeln relativiert und in Beziehung zum Leben in den Kriegsgebieten gesetzt werden. Sie zieht zu einem italienischen Gymnasiallehrer nach Venedig. Und Bruno fährt ihr nach, versucht verzweifelt, sie zurückzugewinnen. Doch sie ist von dem betrunkenen und lallenden Kerl nur angewidert. Aus dieser plötzlichen Lebens- Leere heraus beschließt Bruno, Johanna nach Lampedusa nachzufahren.   Johanna ist Journalistin und erhält den Auftrag, in Lampedusa über die Lage der Flüchtlinge zu recherchieren. Doch als Bruno sie findet, ist sie bereits krank, hat hohes Fieber. Er kümmert sich um sie, versucht auch so etwas wie eine sexuelle Beziehung aufzubauen, was aber nicht gelingt. Schließlich organisiert er für sie den Rückflug nach Österreich. Er selbst kauft ein Boot und macht sich auf die Suche nach einem Jungen irgendwo in Afrika. Der Roman endet mit einem Foto, das Brunos Mutter mit diesem Jungen auf einer Parkbank in Meran zeigt.

Ein hartes Lesebrot, dieser Roman. Die Autorin zeigt zwei Realitäten auf: Die von Marlis, die Zoologin ist und sich um Bären kümmert, die von Bruno, der dem ultimativen Foto nachjagt, im Dreck und Elend lebt, um Dreck, Elend und Schrecken im Bild festzuhalten. Nicht aus moralischen Gründen. Er will nichts verbessern, nicht anklagen, er will nur seine Bilder gedruckt und prämiert sehen. Dass ihn dieses Leben kaputt macht, machen muss, ist klar. Aber so lange er Marlis als Anker in der normalen, bürgerlichen Welt hat, zu der er immer wieder zurückkehren kann, hält er den Druck aus und jagt weiter von einem Kriegsschauplatz zum anderen.  Dann aber, nach der Trennung, verliert er den Boden unter den Füßen. Besäuft sich, kotzt sich an – wird widerlich, unerträglich- unerträglich schildert Sabine Gruber diesen Mann und  seine Fotos, die sie als Bildtext in das Geschehen hineinsetzt.

Brauchen wir so einen Roman? Im Feuilleton wurde er hoch gelobt. Leserinnen – ja, vor allem Frauen  – reagieren unterschiedlich. – Reaktionen aus dem Lesekreis: „Auf S 50 aufgegeben, auf S 126 aufgegeben. Nur mehr quergelesen. Doch auch einige positive Stimmen: Gruber führt uns vor, wie voyeuristisch unsere Gesellschaft ist. Sie braucht solche Bilder, um sich nach dem Betrachten/Lesen dann um so wohliger wegzudrehen und sich dem bürgerlich gesicherten Alltag genüsslich zuzuwenden. Das hat übrigens schon Goethe im Faust I gewusst. Das wissen wir alle. Das ist nicht neu. Warum dann der Roman? Vielleicht um ihren 1999 im Kosovo gefallenen Freund, der Kriegsfotograf war, ein Denkmal zu setzen? Oder vielleicht, um allen zu sagen: Seht her, wie kaputt dieser Beruf macht – auch das wissen wir.Am überzeugendsten wirkt der Roman gegen Schluss, wenn Sabine Gruber die Zustände auf der Insel Lampedusa beschreibt – die Überforderung der Bewohner, die sich gegen das Elend durch Gleichgültigkeit abschotten oder daran verdienen.

Sabine Grubers Sprache ist hart, dicht. Sie findet neue Wendungen, wie“ Sehwürmer“ oder „Traumvernichter“ für Fotos, die man nicht aus dem Hiirn raus bekommt. Ohne Beschönigung analysiert sie den Charakter Bruno Daldossis. Wahrhaft ein gnadenloser Roman.

Theater

Arthur Miller: Hexenjagd. Burgtheater

Dass Arthur Miller ein exzellenter Dramatiker ist, wissen wir. Dass er ein Gespür für die Gefahren in der Gesellschaft hat, wissen wir auch. Sein Drama „Hexenjagd“ schrieb er Anfang der  1950er Jahre vor dem Hintergrund der Kommunistenverfolgung durch den Ausschuss des Senators McCarthy in den USA.  1956 wurde er selbst vor den Ausschuss zitiert. Weil er sich weigerte, Namen ihm bekannter Kommunisten zu nennen, wurde er zu einer Gefängnis- und Geldstrafe verurteilt. Der Pass wurde ihm entzogen. 1958 wurde dieses Urteil aufgehoben. Die schreckliche Mahnung dieses Stückes verstärkt sich noch, wenn man erfährt, dass Arthur Millers Drama auf einem historisches Geschehen basiert. Nämlich auf der Hexenjagd in Massachusetts im Jahre 1692, in einer Zeit “ als die Menschen eine Theokratie entwickelten, eine Verbindung von staatlicher und religiöser Macht“ (Arthur Miller, Anmerkungen zur Hexenjagd, zitiert aus dem Programmheft). Im Christentum erlebten die Menschen Verfolgung durch die Allmacht der Inquisition, und heute erleben die Menschen die Grausamkeit des IS. Und die Gefahr der Verleumdung lauert immer und überall, verstärkt durch die Anonymität der sozialen Medien. WEil die Schere zwischen Arm und Reich immer größer wird, wächsen Neid und Hass. – Der Boden, auf dem die Figuren Millers agieren.

Dieses Drama gerade jetzt auf die Bühne zu bringen ist klug und mutig. Martin Kusej die Regie zu übertragen, ist vielleicht eher auf die Spekulation zurückzuführen, dass sein Name einen Skandal verspricht. Was er prompt auch zu liefern im Sinne hatte. Doch der Skandal blieb aus. Vielleicht deshalb, weil das Publikum Masturbation, Vergewaltigung und Aufhängen auf der Bühne schon als „normal“ empfindet? Als zu oft schon gesehen? Manche im Publikum reagierten mit Gelächter.

Martin Zehetgruber stellt einen Wald von bedrohlich hohen Kreuzen auf die Bühne. Bis auf die letzte Szene im Gefängnis bleiben sie stehen, als Mahnmale, als Bedrohung. Zu Beginn schwirren Mädchen durch den Wald, ziehen sich aus und masturbieren. Gestöhne auf der Bühne, Gelächter im Publikum. Dann beginnt der Wahn: zuerst ist von Exorzismus die Rede, dann von Hexenzauber. Die Menschen bezichtigen ihre eigenen Verwandten, Kinder die Eltern, Nachbarn die Nachbarn. So lange, bis der Stellvertreter des Gouverneurs (großartig gespielt von Michael Maertens) gerufen wird, „um diesen Sumpf trocken zu legen“. Was er kalten Herzens ausführt und reihenweise Todesurteile verhängt. Das Massenschicksal wird an dem Ehepaar Procter vereinzelt und drastisch spürbar. Elisabeth (berührend schlicht: Dörte Lyssewski) wird ebenfalls der Hexerei beschuldigt, ihr Todesurteil aber bis zur Geburt ihres Kindes aufgeschoben. Sie könnte sich „retten“, wenn sie gesteht. Ihr Ehemann John – schlicht und stark: Steven Scharf – versucht seine Frau zu retten, wird aber ebenso zum Tode verurteilt. Durch Hängen – vor den Augen eines schon ermüdeten Publikums.

Ein starkes Stück.Leider verordnet Kusej den Schauspielern eine schleppende Sprechweise mit vielen Pausen zwischen jedem Satz. Das Publikum hustet, gähnt, schlummert oder lacht. Vielleicht lacht es sich auch über den Schrecken hinweg.

Im Programmheft findet man gute Texte zu dem Thema!

www.burgtheater.at

Musik

Wiener Staatsopernballett: Balanchine, Liang, Proietto. 2.11. 2016

Georges Bizet: Symphonie in C

Die  Choreografie von Balanchine ist eine Hommage an das klassische Ballett. Vor einem klaren blauen Hintergrund tanzen die Tänzerinnen in weißem Tüllröckchen und die Männer in Schwarz. Jeder der 4 Sätze wird von einem anderen Solistenpaar,  anderen Solopaaren und dem Ensemble  getanzt. Im ersten Satz „Allegro vivo“ tanzen Natascha Mair und Jakob Feyferlik einen harmonischen Pas de deux. Auffallend ist die Sprungkraft des jungen Feyferlik!

Im 2. Satz „Adagio“ konnten wir endlich nach langer Absenz (wegen Knöchelverletzung) Vladimir Shishov erleben. Seine Bühnenpräsenz ist in diesem Part mit Nina Polakova so stark, dass man wie gebannt der Eleganz seiner Bewegungen zusieht, obwohl er keine atemberaubende Sprünge – wie sonst – vorzeigt. Aber wie er Polakova mit der Sinnlichkeit eines wissenden und in der Rolle sicheren Tänzers durchträgt, das zeugt von ganz großer Klasse.

3. Satz „Allegro vivace“: Hier wird Freude am Tanz geboten, die sich im 4. Satz zu einem zu einem furiosen Abschluss steigert.

 

„Murmuration“ in der Choreografie von Edwaard Liang zu Ezio Bossos Violinkonzert.(Violine: Albena Danailova)

Murmuration bezeichnet die verschiedenen Fromationen der Stare, wenn sie im Winter in den Süden ziehen. Doch man kann auch, wenn man will, darin die Formationen der Menschen in einer Großstadt sehen, die einander begegnen und wieder auseinander triften. Wie auch immer – Musik, Tänzer und die Choreografie führen in eine Art Trance, aus der man nur schwer in die Realität zurückkehren will. Was Roman Lazik in seinen Soloparts und mit Nina Polakova im pas de deux an Traumsentenzen auf die Bühne zaubert,  ist wohl unvergesslich.

Am Schluss die in den Medien mit großen Vorschusslorbeeren überschüttete Uraufführung: „Blanc“ nach der Musik von Mikael Karlsson und Chopin, Prélude und Klavierkonzert Nr.1.

Der Choreograf Daniel Proietto beauftragte den jungen norwegischen Tänzer, Autor und Choreograf Alan Lucien Oyen zu diesem Ballett einen Text zu schreiben. Der Schauspieler Laurence Rupp spricht diesen Text und mischt sich auch unter die Tänzer. Die große Crux ist nun gerade der Text – ein Lamento eines Dichters, der Schreibhemmungen hat – das weiße Blatt Papier (Titel) füllt sich nicht und nicht mit Worten. Im wehleidigen bis pathetischen Ton vorgetragen wirkt der Text eher peinlich, am Rande des Kitsches. Vor allem gelingt Proietto keine wirklich einsichtige Verknüpfung mit dem tänzerischen Geschehen. Ja, man versteht schon, der arme Poet sucht unter den Grazien seine Muse, was aber für eine innige Anbindung an das eigntliche Ballettgeschehen nicht genügt. Und etwas verärgert denkt man: Wenn der einfallslose Poet nichts zu sagen hat, dann soll er doch schweigen.  Doch die Bilder, die Daniel Proietto durch seine romantisch-zärtliche Choregrafie entwirft, machen alles wieder gut.

Während die beiden ersten Teile des Ballettabends vom Publikum begeistert aufgenommen wurden, war der Applaus nach „Blanc“ ziemlich kühl. Nicht unerwähnt soll das kluge und einfühlsame Dirigat von Faycal Karoui bleiben.

Weitere Aufführungstermine: 5. und 18. November. Eine Aufführung, die man nicht verpassen sollte!

 

Events

Joseph Lorenz liest: „Unbekannter Arthur S.“ im Theater Akzent/Studio

Es war eine “ Joseph Lorenz-Woche“.

Zum 85. Todestag Arthur Schnitzlers las Joseph Lorenz am 17.10. in der MedUni Wien die „Traumnovelle“ (s. dazu den Beitrag) und am 20. 10. in der Studiobühne im Theater Akzent „unbekannte Texte“.

Ich weiß, ich wiederhole mich, aber ich kann es nicht oft genug schreiben, sagen: Seine Stimme, seine Gestaltungskraft schafft ein Universum, ist ein Universum. Deshalb passen Schnitzler und er so genial zusammen. Denn worüber schrieb Schnitzler? Über Liebe, Erotik, Sex, verbotene Träume, Lüste, Hass .. das alles macht ja unser gesamtes Gefühlsuniversum aus. Und das alles lässt Lorenz an so einem Abend wie diesen in uns wach werden – mit den Worten Schnitzlers – natürlich.

Wie der Titel versprach, las er unbekannte Texte. Zu Beginn „Der Andere. Aus dem Tagebuch eines Hinterbliebenen“. Ein Mann trauert um seine geliebte Ehefrau. Besucht täglich ihr Grab. Bis er den „Anderen“ eines Tages an ihrem Grab entdeckt. Der Andere ist „jung und schön“ – unbändiger  Hass auf ihn lässt ihn nicht zur Ruhe kommen. Eifersucht wühlt in ihm.  ( Das Thema kehrt wieder m „Weiten Land“ -Hofreiter tötet im Duell den Fähnrich, nicht weil er vielleicht mit seiner Frau eine Liebesbezehung eingegangen sein könnte, sondern weil er jung ist.)  War seine Frau eine Heilige, war sie eine Verworfene? Er starrt auf ihr Bildnis auf seinem Schreibtisch. Ohne Antwort.

Auch in der Erzählung „Die Braut“ geht es um das Bild, das sich die Gesellschaft von der Frau macht, wie sie zu sein hat: rein, bräutlich. Anders darf sie nicht sein, oder sie wird an den Rand der Gesellschaft gestellt. Der Icherzähler begegnet auf einem Maskenball einer Frau, die sich ohne Scham als Prostituierte deklariert. Er will über diese Frau mehr erfahren – und sie erzählt ihm ihre Geschichte. Wie sie nicht die Braut ihres Verlobten sein wollte, sich lossagte, um ihren Trieben, ihrer Lust zu leben. „Es war wieder Trieb geworden, wütender, durstiger Trieb, der den Mann wollte, einfach den Mann-“ Was wissen wir Männer von den Frauen, auch  im Augenblick der höchsten Lust verschließt sich uns ihr Wesen, meint der Icherzähler.

Zur Auflockerung las Joseph Lorenz die skurrile Erzählung „Ich“. Von einem, der an der Wirklichkeit zu zweifeln beginnt und alles, Menschen und Objekte, beschriften muss. Als er auch seine Familie mit Namenszetteln versieht, holt diese den Arzt. Um sich seiner selbst sicher zu sein, hält er dem Arzt einen großen Zettel mit der Aufschrift :ICH“ entgegen.

Nach der Pause schleuderte Joseph Lorenz uns in das Seelenleben eines Mörders hinein. Alfred,ein junger Mann aus der „guten Gesellschaft“, geht eine Liaison mit einem Mädel aus der nicht-feinen Gesellschaft ein. (Beliebtes Thema bei Schnitzler). Alfred meint Elise zu lieben, schätzt ihre Gesellschaft, so lange, bis er Adele, die Tochter eines reichen Kaufmannes, kennen lernt. Er hält um ihre Hand an. Der Vater stellt eine einährige Probezeit, in der sich beide nicht sehen noch schreiben dürfen, als Bedingung. Nun will er Elise los werden. Ihr offen eingestehen, dass er sich mit einer anderen verloben will, wagt er nicht. Auf einer langen Reise erleidet sie Herzattacken. Er tötet sie mit einer Überdosis Morphium und redet sich den Mord als notwendige Tat ein. Zurück in Wien muss er erfahren, dass Adele sich mit einem anderen verlobt hat. Alfred stirbt im Duell. Eine grausame Erzählung. Joseph Lorenz führt uns mit unglaublicher Intensität in die Untiefen dieses Mannes, mit  einer Intensität, die fast nicht zu ertragen ist. Man möchte rufen: Halt, nicht alles preisgeben, ein Quentchen zurück! In diesem eher unsympathischen Ort – das Studio ist klein, eng die Sitze aneinander gekoppelt – ist sein Spiel, seine Sprache zu stark. Sprengt den Rahmen einer Lesung, wird Ereignis, findet statt. Und man ist aufgewühlt.

Stille danach – dann erst Applaus.

 

 

Events

Joseph Lorenz liest die „Traumnovelle“ von Arthur Schnitzler.

Wenn Jospeh Lorenz Schnitzler liest, ersetzt er uns Zuhörern jeden Film oder auch jeden Theaterabend. So klar und von einander abgesetzt führt er uns die einzelnen Figuren vor Augen.

Es beginnt harmlos. Die übliche Eheszene: Fridolin und Albertine kommen von einem Ball zurück. Geplauder. Die ersten Geständnisse: Sie erzählt von dem schönen jungen Dänen, dem sie fast gefolgt wäre, er von dem jungen Mädchen am Strand. Langsam lässt Lorenz die Atmosphäre schwüler werden. Erotik – eingestandene und erträumte, erhoffte, schafft einen feinen Riss zwischen den beiden Eheleuten. Fridolin wird zu einem Krankenbesuch gerufen – und in dieser Nacht folgt er all seinen Lüsten und Vorstellungen. Alle Frauenfiguren, denen er in dieser Nacht begegnet, sind Verkörperungen des männlichen Begehrens oder der Ablehnung. Wie Jospeh Lorenz diese Frauen mit seiner feinen Gestaltungskraft körperlich vor den Zuhörern erstehen lässt, ist immer wieder erstaunlich. Er ist die blasse, schüchterne Marianne, die ihm verschämt ihre Liebe gesteht, dann die blutjunge Prostituierte Mizzi, die für den verstörten Fridolin viel Verständnis aufbringt und vor allem die unbekannte Schöne, die ihn während des Festes, das Schnitzler so zwischen einem Swingerclub und einem erotischen Geheimbund schildert. All diese Frauen lässt Lorenz als lebensvolle Charaktere erstehen, gibt ihnen durch seine Stimme und Gestaltungskraft Aussehen und Auftreten.

Vielleicht, so hörte ich, gibt es eine Wiederholung. Wir hoffen.

Musik

Marie Antoinette. Ballett an der Volksoper.

Aufführung am 23. Mai 2016

In der Neufassung von Patrick de Bana. Diesmal Natascha Mair als Marie Antoinette. Sie tanzt die Rolle als die Jugendliche, das Mädchen, das in diese Ehe von Maria Theresia hineinpolitisiert wird und sich am französischen Hof recht munter zurecht findet, da und dort flirtet und erst im Gefängnis und knapp vor dem Tod durch die Guillotine die Tragik ihres Lebens erfasst. Ein interessanter Vergleich zur Rollenauffassung von Olga Esina, die Marie Antoinette von Beginn an mit einem Hauch von Tragik tanzt.
Interessant übrigens, dass Marie Antoinette und Elisabeth, die Schwester von Ludwig XVI., als einzige in Spitzenschuhen tanzen, was ihre besondere gesellschaftliche Rolle hervorheben soll.
In einem wunderbaren Rahmen aus reflektierenden dunklen Glaswänden (Bühnenbild Alberto Esteban und Area Efimeros) tanzt die Wiener Hofgesellschaft. Marie Antoinette wird von ihrer Mutter -großartig Laura Nistor, die in dieser Rolle debütiert und ihrer Kollegin Rebecca Horner, die diese Rolle ebenfalls tanzt, in Nichts nachsteht – an den jungen Ludwig verheiratet. Mit immer dabei – mit Argusaugen wachend: Maria Theresia. Wie de Bana Maria Theresia als spinnenartige Beobachterin und Sittenwächterin ihrer Tochter sieht, ist neu, verstörend und sehr spannend.
Zunächst ist das Leben für Marie Antoinette am Hof von Ludwig XVI. heiter und unbeschwert- die Kostüme von Agnes Letestu drücken das gut aus – bis die ersten Revolutionsanzeichen in die Hofgesellschaft flattern. Im 2. Akt bricht die ganze Wucht der Revolution über das Paar und den Hof herein – hervorragend choreographiert – und Ludwig wird zur Guillotine geführt. Zurück bleibt Marie Antoinette in Isolation und Verzweiflung. Knapp vor ihrem Tod glaubt sie sich mit Ludwig und Elisabeth vereint, doch das Schicksal führt auch sie zur Guillotine.
Als packende Figuren führt de Bana „das Schicksal“ und den „Schatten der Marie Antoinette“ ein. Sie tanzen zur rasenden Musik von Carlos Pino-Quintana (Auftragskomposition) den Tod, der Marie Antoinette vom Anfang an bedroht. Francesco Costa und Nikisha Fogo brillieren in diesen schweren Rollen.
Noch ein Wort zur Musik: Sie kommt aus der Konserve und ist ein gut zusammengestellter Mix von Rameau bis Mozart und anderen Komponisten, die zu dieser Epoche passen.

Theater

John Hopkins, Diese Geschichte von Ihnen. Akademietheater

Nikolaus Ofczarek in seiner Lieblingsrolle als Berserker! ER darf sich Austoben. Drei Stunden schlägt, quält er sich selbst, seine Ehefrau, seinen Vorgesetzten und das Opfer, schleudert sich und andere quer über die Bühne, dass man um die Knochen der Schauspieler bangt. Nicht alle haben diese heftige Schlagorgie ausgehalten und gingen in der Pause. Die blieben, dankten den Schauspielern für ihre Leistung, vor allem für den körperlichen Einsatz.
Als Polizist mit 20 Dienstjahren am Buckel hat Johnson (Ofczarek) schon viel Grausames gesehen. Dass jetzt aber ein Mädchenschänder sein bestialisches Unwesen treibt, führt ihn an den Rand des Wahnsinns. Er meint, in Baxter (August Diehl) den Täter gefunden zu haben und quält ihn zu Tode, ohne wirklich zu wissen, ob er der Täter war.
Zu Beginn taumelt Johnson betrunken durch seine Wohnung, schlägt Möbel und Ehefrau (Andrea Clausen) kurz und klein.
Dazwischen wimmert er um Verständnis und Hilfe, die Bilder in seinem Kopf quälen ihn so. Man ahnt schon: Hier agiert der eigentliche Täter, der sich aber als Opfer sieht. Recht unglaubwürdig die Szene, in der die Ehefrau Maureen ihm immer wieder ihre Hilfe anbietet, just nachdem er sie grausam durch das Zimmer geschleudert hatte.
Im 2. Akt muss Johnson seinem Vorgesetzten (Roland Koch) Rede und Antwort über den Vorfall stehen. Wie kam es dazu, dass er Baxter zu Tode geprügelt hat? Hier wirkt das Stück langatmig, denn wie im 1. Akt fleht Johnson um Hilfe, kann nicht reden. Der Akt endet – wie man schon ahnt – gewalttätig.
Im 3. Akt findet der eigentlich spannendste Teil des Dramas als Rückblende statt: Der Zweikampf zwischen Johnson und Baxter – ganz großartig gespielt von August Diehl. Der gibt sich zuerst arrogant, droht mit seinem Anwalt. Johnson spielt „lieben Polizisten“, will ihn auf die sanfte Tour zum Geständnis bringen. Doch Baxter ist nicht so leicht weich zu bekommen. Auch nicht, als die ersten Schläge fallen. Mitten in diesem Kampf dreht sich das Geschehen um 180 Grad: Aus dem Verhörer wird ein Verhörter. Geschickt gelingt es Baxter, all die wüsten Vorstellungen von Gewalt und Sexualität, die in Johnson stecken, herauszuholen. Bis Johnson all die Gewalt, die in ihm lauert, frei lässt und Baxter erschlägt.
Ofczarek gelingt es mit dieser Rolle, Parallelen zu den Schergen der KZs wach zu rufen. Nicht umsonst trägt er ein entsetzlich braun-orangfarbenes Hemd, und seine an die Schläfen angeklatschten Haare erinnern ebenfalls an Köpfe der Nazizeit.
Was Hopkins mit diesem Drama bezwecken wollte, ist ambivalent: Einerseits plädiert er um Verständnis für Johnson. So gewalttätig, wie er ist, ist er durch den Beruf geworden, in dem er nur mit Mord, Grausamkeit konfrontiert war. Er hat für die Gesellschaft die Drecksarbeit machen müssen, Leichen aus dem Wasser fischen, vergewaltigte Mädchen im Park finden..All diese Bilder blieben in seiner Seele und haben Schaden angerichtet.
Andrerseits ist dieser Johnson aber an sich ein gewaltbereiter Mensch, der sich aus diesem Hang heraus zur Polizei gemeldet hat.Hopkins rührt mit dem Drama an einem der gravierendsten Probleme in den Staaten und nicht nur dort: Wie gewaltbereit ist oder wird ein Mensch, der um sich nur Gewalt erlebt?

Schlussbemerkung: Alle Schauspieler müssen rauchen, und zwar ziemlich heftig! Das scheint an vielen Bühnen Mode zu sein. Die Schauspieler rauchen, die Zuschauer husten! Gar nicht angenehm!

Musik

Le Corsaire. Ballett. Wiener Staatsoper

Manuel Legris weiß um die Publikumswirksamkeit des Handlungsballetts. Vielleicht ist die Zeit reif, und man hat sich an den abstrakten Tanzperformances schon ein wenig satt gesehen. Im „Corsaire“ ist Legris für Musikauswahl (Adolphe Adam u.a.) und die Choreografie zuständig. Luisa Spinelli liefert dazu farbenprächtige Kostüme und zauberhafte Tableaus. Insgesamt eine opulente, sehr unterhaltsame Aufführung.
Dass Vladimir Shishov verletzungsbedingt ausfiel, war für seine Fans – zu ihnen zähle auch ich mich – natürlich schade. Aber Robert Gabdullin war ein würdiger Ersatz als Corsaire. Nicht nur sprungsicher, sondern auch einfühlsam im Pas de deux mit Liudmilla Konovalova als Medora. Der Abed gehörte aber Mihail Sosnovschi als durchtriebener Sklavenhändler Lanquedem. Wie er die schöne Gulnare – getanzt von der zauberhaften Kiyoka Hashimoto – dem gelangweilten Seyd Pascha als Sklavin anbietet – das tut fast körperlich weh. Wie eine Schale – wenn auch kostbar – legt er sie kriecherisch dem Pascha zu Füßen. Hart, klar und unbeugsam. Lanquedem tanzt den Part des Mannes, dem Frauen nur Waren sind, so intensiv, dass man nicht unberührt bleiben kann. Überhaupt ist das Thema des Balletts ziemlich eingängig: Frauen sind Ware, müssen schön sein, sonst sind sie nichts wert. Das schreibe ich jetzt nicht als Emanze – das bin ich sicher nicht, sondern als weibliche Zuschauerin.
Legris hält die Spannung zwei Akte lang gut durch. Im dritten jedoch strapaziert er die Geduld der Zuseher über die Maßen, wenn er von den Kleinsten der Ballettschule bis hin zu allen Halbsolistinnen alle einen Blumentanz aufführen lässt, der gerade nur als Referenz an die Ballettelevinnen gelten kann. Die Länge macht den Schluss zunichte.
Ein Wort noch zum Dirigat: Valery Ovsianikov atmet mit den Tänzerinnen und Tänzern. Sein aufmerksamer Blick gilt ihnen. Dadurch bewirkt er eine hörbare Einheit zwischen Tanz und Musik.
Lang anhaltender Applaus.

Büchertipps

Zülfü Livaneli, Serenade für Nadja, aus dem Türkischen von Gerhard Meier. Klett-Cotta

Livaneli zählt zu den bedeutendsten Schriftstellern der Türkei. Aus seinen Romanen ist herauszupüren, dass er Filmemacher und Komponist ist. Denn seine Geschichten sind musikalisch und lesen sich wie Drehbücher -so griffig, ergreifend.
Livaneli baut seine Romane nach einem bestimmten Konzept: Immer steckt in einer Geschichte eine andere – die wesentliche, die wichtige, die erst enthüllt werden muss.Ähnlich wie im Roman „Schwarze Liebe, Schwarzes Meer“ erzählt ein alter Mann einer jungen Frau seine Geschichte – er schält aus der Vergangenheit die schrecklichen Ereignisse Scheibe für Scheibe heraus.
Maya, eine junge Türkin, arbeitet an der Universität in Istanbul.Sie bekommt den Auftrag,den betagten Professor Maximilian Wagner,der zu einem Gastvortrag eingeladen wurde, während seines Aufenthaltes zu betreuen. Das erweist sich als schwieriger als angenommen. Der alte Mann hat eigenartige Wünsche, unter anderem bei Eiseskälte an die Küste gefahren zu werden. Dort spielt er auf seiner Geige ein Musikstück. so lange, bis er fast erfriert. Maya rettet ihn vor dem Erfrierungstod, und Maximilian Wagner erzählt ihr die erschütternde Geschichte seiner Frau Nadja, einer deutschen Jüdin. Sie war auf dem bulgarischen Schiff Struma, auf dem über 700 Juden durch eine Explosion ums Leben kamen. Die Explosion war kein Unglück, sondern von England und der Türkei herbei geführt. Man wollte verhindern, dass diese 700 Menschen nach Palästina einreisen.
Wagner kehrt zurück in die Staaten, Maya kündigt an der Universität und beginnt die Geschichte Nadjas und Maximilians aufzuschreiben.
Livaneli ist ein Autor, dem es darum geht, die Verganheit, insbesondere während und nach dem 2. Weltkrieg, aufzudecken. Dabei schont er niemanden, insbesondere nicht die Rolle des türkischen Staates.
Packend erzählt, ohne ins Reißerische abzugleiten.
Silvia Matras empfiehlt diesen Autor!!

Zülfü Livaneli: Schwarze Liebe, Schwarzes Meer. Aus dem Türkischen von Gerhard Meier. Klett-Cotta

Wie kommt es, dass wir Literaturfreaks diesen genialen Schriftsteller aus der Türkei nicht kennen? Alle reden nur von Pamuk und seinen zu gegeben erfolgreichen Romanen. Liveli ist ein vielseitiges Genie. 1970 musste er als politisch verfolgter aus der Türkei fliehen. In Stockholm, Paris und Athen arbeitete er als Regisseur, Musiker – unter anderem mit Theodorakis und Farantouri. 1980 kehrte er als gefeierter Musiker in die Türkei zurück. Seine Diskografie ist länger als seine Bibliografie.
Seine Stärken sind Humor und Menschenkenntnis, die ihn nicht an der Liebe zu den Menschen und seinen Romanfiguren hindert.
Der Verlag Klett-Cotta hat sich dankenswerter Weise dieses genialen Autors angenommen. „Schwarze Liebe, Schwarzes Meer“ ist ein Roman voller Fallen, die der Autor dem Leser stellt. Kaum meint dieser, eine Figur erfasst zu haben, ist alles schon wieder anders. Geschickt wie einst Scheherezade führt Liveli uns durch die verschiedenen Geschichten, verflicht sie, löst sie, um uns schmunzelnd und traurig, dass der Roman zu Ende ist, zu entlassen. Was wahr ist und was nur Phantasie, entscheidet der Leser. Dem Autor ist es einerlei. Wahrheiten sind relativ.
Ahmet ist ein Bauingenieur im Ruhestand. Aus Istanbul hat er sich in ein Dorf am Schwarzen Meer zurückgezogen, wo er in einem großen Haus ganz alleine lebt und sich seinen Ticks hingibt: Niemand darf ihn berühren, er spricht mit seinem Hund Kerberos, die Zimmer sind nach literrischen Begriffen eingeteilt: In einem stapelt sich Literatur über Eifersucht, im nächsten über Mord, dann über enttäuschte Liebe usw.Er selbst ist überzeugt, dass Liebe das größte Übel ist, das dem Menschen zustoßen kann. Als im Dorf ein Mord geschieht, steht eines Tages die junge Journalistin Pelin vor seiner Tür. Trotz seiner Menschenscheu erzählt er ihr aus seinem Leben, sie geschickt von einem Abend zum nächsten hinhaltend. Bis sie alles erfährt, aber sie erfährt nur Täuschungen…Mehr sei hier nicht verraten! Lesen!
Silvia Matras empfiehlt dieses Buch ganz besonders!!

Büchertipps

Salvatore Settis: Wenn Venedig stirbt. Streitschrift gegen den Ausverkauf der Städte. Aus dem Italienischen: Victoria Lorini. Wagenbach Verlag

Man kennt die Argumente, die Salvatore Settis vorbringt. Aber wenn man sie alle, akribisch und wissenschaftlich und empirisch gut dargelegt, Wort für Wort zu lesen bekommt, dann wundert man sich, warum niemand etwas gegen diesen Ausverkauf Venedigs und anderer Städte tut. Die Politik geht vor dem gierigen Markt in die Knie. Das ist beschämend und macht hoffnungslos. Dass jede historische Stadt eine Seele hat, die sie an Tourismus- und Bauindustrie ungeschaut und ungestraft verkauft, ist eine Tatsache, deren sich zwar Bürgermeister und Konsorten bewusst sind, die ihnen aber herzlichst egal ist. Mit „Seele“ kann man kein Geld verdienen, meinen sie. Und vergessen, dass eine von Touristen und Spekulanten zu Tode gebrachte Stadt eines Tages nichts mehr einbringen wird. Weil inzwischen schon Reproduktionen dem Original die Show gestohlen haben. Mit Schaudern liest man von den „Projekten, Venedig zu retten“, die da sind: ein künstliches Venedig – Art Disneylandvenedig – gleich vor den Toren Venedigs hinzustellen oder gigantische Türme, die den Markusdom weit an Höhe überragen, im letzten noch genützten Ackerland oder auf den Inseln in der Lagune zu bauen. Wer schon einmal erlebt hat, wie so ein Riesenkreuzfahrtschiff fast direkt vor den Markusplatz ankert, der weiß, wovon der Autor warnt. Obwohl jeder Politiker um die Gefahr weiß, die solche Schiffe für Venedig bedeuten, ist noch immer diesem verbrecherischen Business kein Riegel vorgeschoben worden.
Jeder, der Venedig liebt, jeder, der sich über den Ausverkauf der Städte Gedanken macht, sollte dieses Buch lesen. Vor allem sollte es den Politikern, Baulöwen und Architekten als Pflichtlektüre verordnet werden. Es gibt genug Architekten, die tatsächlich fordern, Venedig müsse „modernisiert“ werden, indem man neue Architektur mitten in die Palazzi stellt. Ihnen ist jede Altstadt nur Spielwiese für ihre eigene Verwirklichung.

Büchertipps

Saphia Azzeddine, Zorngebete. Wagenbach

Dass Saphia Azzeddine zu den besten Schriftstellerinnen des Maghreb zählt, beweist sie wieder einmal in dem Roman „Zorngebete“. Die Icherzählerin Jbara ist 16 Jahre altund hütet die Schafe in Tafafilt, einem Ort in der Wüste, in dem kaum Fremde vorbeikommen. Sie weiß nichts von der Welt, auch nicht, dass sie schön ist. „Schönheit git es nur in der Sprache der Reichen“.Sie lässt sich von einem Jungen aus der Umgebung hin und wieder „besteigen“, ohne zu ahnen, wozu dieser Geschlechtsakt führt. Als sie schwanger wird, wird sie vom Vater, der ihr wegen seiner Pseudoreligiosität verhasst ist, vertrieben. Mit dem Bus fährt sie in die nächste Stadt, wo sie das Kind auf der Straße ganz allein auf die Welt bringt und es einfach liegen lässt. Als Putzfrau und auch als Nutte bringt sie sich durch, immer im Gespräch mit Allah, an dessen Existenz sie glaubt, aber ganz genau weiß, dass nur sie allein sich helfen kann. Die Frage nach dem richtigen Tun stellt sie ihm immer wieder und gibt sich selbst die Antwort. Eines Tages gelingt es ihr, in einer Villa der Reichen als Dienstmädchen zu arbeiten. Man liest mit großem Vergnügen, wie sie das absurde Benehmen der Bewohner beschreibt. Sie wird von ihnen als Mensch nicht wahr genommen: „Die Reichen sehen uns nicht“, auch nicht, als der Hausherr sie regelmäßig fickt und danach gleich wieder vergisst. „Es ist schrecklich, niemandem in Erinnerung zu bleiben“. Obwohl sie nicht lesen kann,lernt sie bald den „Unterschied zwischen einer Sonnenbrille von Fendi und Versace“ erkennen. Mit dem Wissen um das Tun und Treiben der Reichen wird sie bald zu einer gefeierten Stripperin, dann die Edelnutte eines Scheichs. Sie ist jetzt „Geschäftsfrau und ihr Körper ist ihr Büro“. Das geht so lange gut, bis ihr Scheich wegen Drogenhandels des Landes verwiesen wird und sie ins Gefängnis kommt.Nach der Haft heiratet sie einen „braven Imam“ und hofft auf ein ruhiges Leben. Doch die Schiegermutter will es nicht so und drangsaliert sie ordentlich. Als ihr Mann einen Schlaganfall erleidet, füttert und badet sie ihn und singt ihm, um die Schmerzen zu lindern, Lieder ihrer Kindheit vor. Immer wieder richtet sie ihre Zorngebete an Allah, hadert mit ihm, zweifelt an ihm, fragt nach dem Sinn des Leidens und des Bösen, um am Schluss zu erkennen: „Gut und Böse gibt es nicht. Dafür bist Du viel zu scharfsinnig. Allah, Du bestehst nur aus Zwischentönen und darum liebe ich Dich.“
Ein berührendes Buch ganz ohne Rührseligkeit. Dafür sorgt schon die direkte, oft sehr harte Ausdrucksweise. Azzeddine nimmt sich kein Blatt vor den Mund, nennt die Dinge beim Namen, ohne billig zu werden. Wenn sie den Geschlechtsakt beschreibt, so geschieht das sehr direkt, in groben Ausdrücken, denn genau so erlebt ihn Jbara.“Im Grunde kann ich mich nicht beklagen. Ich verkaufe Sex..was ist schlecht daran?“ fragt sie. Erst als sie so etwas wie Liebe zu ihrem sterbenden Mann empfindet, wird sie mit sich eins.
Saphia Azzeddine hat ein packendes Buch jenseits der gängigen Moralvorstellungen geschrieben. Sie geht hart mit den Lebensführungen der Reichen um, schildert mitleidlos den Lebensweg eines Mädchens, das von den Männern ausgenützt wird und das ihre Schönheit umgekehrt auch nützt, um am Reichtum mitzunaschen. Azzeddines Kritk richtet sich vor allem gegen eine Männerwelt, die unter dem Vorwand religiöser Gesetze Frauen schamlos ausnützen und sie, um sich ihrer ganz sicher zu sein, unter einen Schleier stecken. „Scheiße nochmal, dieser Schleier kotzt mich an.“ Und sie wird ihn ablegen. Zum Zeichen ihrer neuen Freiheit.

Winterreise – eine Reise in die Tiefen der Existenz

Einer der Höhepunkte der Wiener Festwochen war Franz Schuberts Winterreise mit Markus Hinterhäuser am Klavier und Matthias Goerne als Liedinterpret . Dazu verfilmete Zeichnungen von William Kentridge.

Die Kombination – Gesang und Video – gab es immer wieder, aber die Versuche liefen ins Leere. Meiner Meinung auch hier. Ganz einfach, weil gerade die Winterreise eine so starke, existentielle Aussage provoziert, dass der Zuhörer damit genug beschäftigt ist, seine inneren Bilder zu koordinieren. Außerdem war Goernes Interpretation so intensiv, dass Bilder, wären sie auch noch so interessant gewesen, nur störten. Ich habe, um die Lieder voll in mich aufzunehmen, versucht, nicht auf die Videos zu sehen -was natürlich fast unmöglich war. Wenn ich hinsah, hatte ich genug mit der Deutung zu tun. Es ist schon klar, dass Kentridge mit seinen gezeichneten Filmen die konservative, all zu vordergründige  Deutung der Winterreise brechen will. Aber ich wollte nicht wissen, wie und warum er gerade diese oder jene Bilder mit diesem oder jenem Lied verknüpft und spürte heftige Abwehr in mir, was mich wiederum von der Musik wegholte.

Während wir auf den Beginn warteten, durften wir uns den Kopf über die Pinwand des Künstlers zerbrechen. Papier, zerrissen, Entwürfe weg -geworfen, ver-worfen, Veruche, sich in der Musik zu orten? Fotos verblasst und verblasen. Alles ist Scheitern, künstlerisch und existentiell. Dann das erste Lied – Gute Nacht. Ein Baum, den der Wind entblättert. Manche Bilder waren überbordend, manche ließen mich ratlos werden, so etwa die Schnüre, die sich während des Liedes „Der Lindenbaum“ von den Ästen lösen, als hätte sich gerade jemand erhängt. Ganz ärgerlich fand ich die Bilder zum Lied „Wasserflut“ – da zeichnete Kendrige eine Dusche, einen Messbecher und immer wieder eine Kaffeetasse.

Ein Abend, der trotz der Videos in die Tiefe ging. Das lag vor allem an den beiden Interpreten: Hinterhäuser, der seine Begleitung feinfühlig zu dosieren wusste, Goerne, dessen Einsatz bis ans Äußerste seiner Kräfte ging. Eine besseren Interpreten der Winterreise gibt es zur Zeit sicher nicht.